Morir joven:Mito inmortal

Jeff Healey, próximo mito.

2010-11-09T14:56:00.000-08:00

Freddie Mercury, fotos para el recuerdo.

2010-10-29T15:35:00.000-07:00

Freddie Mercury, Tributo a 16 años de su muerte.

2010-10-29T15:21:00.000-07:00

Freddie Mercury, Queen -Show must go on.

2010-10-29T15:15:00.000-07:00

Freddie Mercury, Queen -Love of My Life

2010-10-29T15:10:00.000-07:00

Freddie Mercury, Queen - We Will Rock You and We Are The Champion

2010-10-29T15:06:00.000-07:00

UNA JOYA. NO TE HABÍA OLVIDADO FREDDIE.¡¡¡¡

Freddie Mercury, Queen - We are the Champions.

2010-10-29T15:02:00.000-07:00

Freddie Mercury, Queen - Live Aid - Part 1

2010-10-29T14:58:00.000-07:00

Freddie Mercury, su triste final.

2010-10-29T14:55:00.000-07:00

Aquélla fue la última actuación en directo de Freddie Mercury. Aun sin anunciar la enfermedad, el deterioro de su estado físico era cada vez más evidente y Mercury se recluyó en su casa de Kensington, espaciando cada vez más sus apariciones. Ocultó su tragedia incluso a sus propios compañeros de grupo y tan sólo un día antes de su muerte anunció públicamente que desde 1986 padecía SIDA.

Murió en su cama a las siete de una fría tarde del día 24 de noviembre de 1991 como consecuencia de una neumonía que no pudo superar. Con tan sólo cuarenta y cinco años, el gran Freddie Mercury dijo adiós a la vida que tan intensamente había disfrutado y fue enterrado en una ceremonia íntima, conforme al rito Zoroastro.

La muerte de Mercury conmocionó el panorama mundial de la música y los homenajes se sucedieron uno tras otro. El 20 de abril de 1992 se celebró uno de los más emotivos en el Wembley Arena de Londres. Estrellas del firmamento pop y rock, como Elton John, Guns N' Roses, Seal, Metallica, David Bowie, Robert Plant, Roger Daltrey, George Michael y Liza Minnelli, se reunieron para rendir un cálido tributo al cantante desaparecido.

No obstante, sus seguidores recibieron el mejor regalo póstumo con la edición del Made in heaven de Queen, trabajo en el que pudieron escuchar las últimas canciones que Freddie compuso antes de morir. También en 1992 se editó The great pretender, un álbum en el que se mezclaba material de Mr. Bad Guy con algún tema inédito y alguna rareza de su discografía. En el año 2000 se desveló la intención de editar una mastodóntica recopilación de diez discos compactos, cuyo anticipo fue el triple Freedie Mercury Solo.

En septiembre de 2006, coincidiendo con el que sería el 60º cumpleaños del cantante, se llevaron a cabo varios homenajes, entre ellos una recopilación realizada por la discográfica EMI que, con el título de The very best of Freddie Mercury, hizo un repaso por la mejores canciones originales de Mercury, así como un segundo CD con rarezas y remezclas hechas por otros artistas.
Fuente :http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/mercury.htm

Freddie Mercury, biografía tomada de Biografías y Vidas.

2010-10-29T14:45:00.000-07:00

(Zanzíbar, 1946 - Londres, 1991) Vocalista, músico y compositor que fue conocido a escala internacional como líder de la banda de rock británica Queen, pero que también desarrolló una trayectoria paralela en solitario de innegable éxito.

Ni su verdadero nombre fue Freddie Mercury, ni llegó al mundo en el Reino Unido, el país que le vio triunfar. Se llamaba Farookh Bulsara y nació el 5 de septiembre de 1946 en la isla de Zanzíbar (Tanzania), situada en la costa este de África y famosa por su producción de especias. Figura provocadora, versátil y carismática como pocas, su fallecimiento el 24 de noviembre de 1991 conmocionó al mundo de la música.

Farookh era un niño extraordinariamente guapo, tímido y muy apegado a su madre y a su hermana pequeña Kashmira, que había nacido en 1952. Sus padres, Jer y Bomi Bulsara, formaban un matrimonio de origen persa devoto del profeta Zoroastro, y decidieron enviar al niño a la India para que recibiera una buena educación. Allí quedó al cuidado de sus tíos y fue matriculado en la St. Peter's School, institución de enseñanza británica situada en Panchgani, a unas cincuenta millas de Bombay.

Muy interesado por los deportes, el joven Bulsara mostró buenas maneras como boxeador aunque, después de que su madre le animara a colgar los guantes porque resultaba una práctica demasiado violenta, cambió el ring por la mesa de ping pong y a los diez años ya era campeón escolar de la disciplina.

Como también en aquellos años de la infancia comenzó a despertar su afición por la música, siguió clases de piano e ingresó en el coro de la escuela. Convencido de sus tempranas habilidades musicales, fue el propio director del St. Peter's quien recomendó a los padres del joven que iniciara los estudios de piano. Durante este periodo de formación, el inquieto Farookh también empezó a demostrar ciertas aptitudes escénicas y participó en varias obras de teatro colegiales.

Muy pronto puso en pie su primer grupo musical, The Hectics, una banda amateur de rock and roll que prodigaba sus actuaciones en todas las fiestas y bailes del colegio. En esta formación, en la que ocupaba el puesto de pianista, le acompañaban Derrick Branche, Bruce Murray, Farang Irani y Victory Rana. Las primeras influencias musicales de Farookh llegaron de la mística música hindú, de los sonidos clásicos y algo del rock and roll que por entonces se producía en otras partes del planeta. En aquella época, sus amigos del colegio comenzaron a llamarle Freddie, traducción más o menos fiel de Farookh al inglés, y, de hecho, el propio joven firmaba en ocasiones como Frederick.

Regresó a Zanzíbar en 1962 junto a su familia, pero un par de años después, los Bulsara decidieron emigrar al Reino Unido, para huir del estallido de violencia que sufría la isla. Curiosamente, Freddie jamás volvería a su tierra natal, ni tampoco a la India; una nueva etapa de su vida comenzaba entonces en una casa de Feltham (Middlesex), cerca de Londres.

Ingresó en el Isleworth Polythecnic y, durante las vacaciones, se empleaba en trabajos eventuales para ganar un dinero extra. Hacia 1966, Freddie era un alumno de la Ealing Art School, que estudiaba para convertirse en diseñador gráfico, aunque su interés por la música no había desaparecido. Abandonó su casa y alquiló un piso en Kensington junto a un compañero llamado Chris Smith.

Por entonces también trabó muy buena amistad con Tim Staffell, otro amigo de la Ealing que formaba parte de un grupo llamado Smile, en el que tocaban Brian May y Roger Taylor. Freddie se convirtió en seguidor y fan número uno de la banda. En 1969, dejó la escuela con su diploma en artes gráficas y diseño en el bolsillo y comenzó a compartir piso con Roger, con quien acudía a un puesto del mercadillo de Kensington para vender ropa y pinturas.

En el verano de ese mismo año, Freddie empezó a cantar en un grupo de Liverpool llamado Ibex, que se había trasladado a Londres buscando fama y éxito, pero que tuvo una efímera y complicada existencia. El 23 de agosto de 1969, Freddie debutó en público junto al trío formado por Mike Bersin, John Tupp Taylor y Mick Miffer Smith. Un mes más tarde, el grupo cambió de batería y de nombre. Miffer abandonó la formación y dejó su sitio a Richard Thompson, ex componente de 1984, la banda de Brian May.

Después de esta experiencia fallida, Freddie lo intentó en otra banda llamada Sour Milk Sea, con la que contactó gracias a un anuncio del Melody Maker en el que buscaban un vocalista. A finales de 1969, Freddie era el vocalista del grupo, en el que también estaban Chris Cheney y Jeremy Rubber Gallop a la guitarra, el bajista Paul Milan y el batería Rob Tyrell. Pero esta prometedora aventura tan sólo duró unos meses porque, en abril de 1970, Smile volvió a cruzarse en su trayectoria. Su viejo amigo Tim Staffell había decidido abandonar la formación y Roger y Brian le pidieron que fuera el vocalista del grupo.

Nace Queen

Freddie insistió en renombrar a la banda y suya fue la idea de bautizarla como Queen. Al mismo tiempo, cambió su apellido artístico y se convirtió desde ese momento en Freddie Mercury. Tras las innovaciones, el trío probó con varios bajistas hasta que en 1971 se incorporó a la formación un personaje tranquilo y sosegado, John Deacon.

El logotipo, otra de las señas de identidad de Queen, fue también una creación del vocalista, que dejó patentes sus dotes como imaginativo diseñador. La imagen presentaba los cuatro signos del zodíaco de los miembros de la banda (dos leones por Roger y John, los dos leos del grupo, el cangrejo por el signo cáncer de Brian May y las ninfas que identificaban el signo virgo de Freddie) alrededor de una gigantesca Q y, sobre todo ello, el ave fénix, que saludaba el nacimiento del grupo de las cenizas de otras formaciones. También desde el primer momento fue Freddie el impulsor de la imagen visual de la formación, con su personalísima puesta en escena y su inconfundible vestuario. El resto pertenece a la historia de Queen.

Un hecho importante en la vida privada de Mercury tuvo lugar en 1970; fue entonces cuando conoció a Mary Austin, con quien convivió durante siete años y con quien conservaría una buena amistad hasta el momento de su muerte. Curiosamente, antes de que Queen editara su primer disco, Freddie lanzó en solitario un tema llamado I can hear music, bajo el nombre de Larry Lurex.

Casi una década después, cuando ya había paladeado las mieles del éxito con Queen, Mercury hizo realidad otro de sus sueños. Siempre había sido un apasionado de la danza y el 7 de octubre de 1979 actuó con el Royal Ballet, para interpretar y bailar Bohemian Rhapsody y Crazy little thing called love.

La vida de excesos derivada de la fama y el éxito fue una leyenda que acompañó inevitablemente a Freddie Mercury y sus fiestas fueron siempre sonadas, pero también se reconoció al músico por ser un gran amigo de sus amigos. Hacia finales de los setenta rompió su relación sentimental con Mary Austin y comenzaron a surgir rumores sobre su cambio de orientación sexual. Los comentarios arreciaban apoyados por el cambio radical de imagen que mostró el músico hacia 1980. Cortó al mínimo su larga cabellera y se dejó crecer un gran bigote, imitando la estética gay muy de moda en los bares de San Francisco y que fielmente habían reflejado los famosos Village People.

A finales de 1982, Queen hizo un paréntesis en su carrera y dio libertad a los miembros de la banda para que pusieran en marcha sus respectivos proyectos paralelos. Mercury alquiló los estudios Musicland de Munich y, junto al productor Mack, entró en ellos para grabar su primer álbum en solitario. Durante este período, conoció también a toda una leyenda en el mundo de la producción musical, el gran Giorgio Moroder, padre del "electro disco".

En aquellos días, Moroder trabajaba en la banda sonora de la versión restaurada de Metrópolis, película mítica dirigida por Fritz Lang, y le pidió a Freddie que colaborara en un tema; el resultado fue Love kills, compuesta por ambos e interpretada por Mercury. El single, el primero firmado en solitario como Freddie Mercury, salió al mercado el 10 de septiembre de 1984, logró un éxito importante y le sirvió como trampolín para su siguiente trabajo.

Pocos meses antes del lanzamiento del single se había producido otro encuentro casual en la vida de Mercury que derivaría, en el futuro, en una sorprendente colaboración musical. En el mes de mayo de 1983 asistió al Royal Opera House de Londres para ver una representación de Un ballo di maschera, del compositor italiano Giuseppe Verdi, y cuentan que quedó cautivado por la belleza de la voz de la diva catalana Monserrat Caballé.

El 9 de abril de 1985 llegó a las tiendas el adelanto de su primer disco de larga duración, el sencillo I was born to love you, y, tres semanas más tarde, se presentó el álbum Mr. Bad Guy, ambos editados por CBS Records. Los resultados comerciales fueron excelentes y el 13 de julio de ese mismo año los muchos seguidores de Mercury pudieron contemplar su memorable actuación durante el concierto Live Aid en el estadio de Wembley.

A comienzos de 1987, Freddie entró en los estudios Townhouse de Londres para grabar algunas canciones. De esas sesiones nació el remake de The great pretender, un gran tema que The Platters había popularizado años atrás. A la venta desde el 23 de febrero de ese año, el trabajo se anotó un nuevo éxito en la ya larga lista del triunfante músico.

Un mes después, Mercury voló a Barcelona para conocer personalmente a aquella diva del bel canto que le cautivó años atrás. Monserrat Caballé recibió con agrado una casete con algunos temas del polifacético Mercury e incluso llegó a interpretar uno de ellos en el Covent Garden londinense. Un mes más tarde, comenzaron a trabajar en la edición de su disco conjunto, y a finales de mayo, ambos cantaron en directo el tema Barcelona en la discoteca Ku de Ibiza. El 8 de octubre de 1988 repitieron actuación en el festival La Nit de la Ciudad Condal, excelente presentación para el álbum Barcelona que se editó dos días después.
Fuente:http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/mercury.htm

John Ritter, video recordatorio

2010-10-20T10:27:00.000-07:00

John Ritter, biografía tomada de wikipedia.

2010-10-20T10:19:00.000-07:00

John Ritter (17 de septiembre de 1948 - 11 de septiembre del 2003). Fue un actor estadounidense.
Su verdadero nombre era Jonathan Southworth Ritter. Nació en Burbank, California, siendo hijo del cantante y actor country Tex Ritter y la actriz Dorothy Fay.
Ritter asistió a Hollywood High School, donde fue el Presidente del Consejo Estudiantil. Fue a la Universidad del Sur de California, donde obtuvo los grados de psicología y arquitectura.
Después de dos años en la Universidad, fue incitado a asistir a las clases de actuación por la actriz Nina Foch. Ritter cambió su título a Artes Dramáticas, graduándose en 1971 como Bachiller en Artes, con grado en actuación. Después de Foch, él estudió actuación con Stella Adler y en la Escuela de Comedia de Harver Lembeck.
Ritter fue la estrella en varios montajes antes de hacer su gran éxito en "Three's Company", en latinoamérica, Tres son Multitud o (Apartamento para tres), en 1977, interpretando a un estudiante de cocina (Jack Tripper), quien vive con dos compañeras de habitación, con quienes pretende siempre mantener un arreglo para el hospedaje. El programa estuvo durante varias temporadas cerca de los ratings de la televisión, antes de su fin, en el año 1984, luego que Ritter comenzará a actuar en otra serie.
En 1978, él interpretó al manager de Ringo Starr en un especial de televisión dedicado a Ringo.
Después de "Apartamento para tres", apareció en varias películas, siendo las más destacadas Problem Child en su primera secuela, en Sling-Blade y Noises Off.
Participó en varias películas para el hogar y como invitado como en Ally McBeal y Buffy la cazavampiros. Además, le dio vida a la voz de Clifford en la serie animada de Clifford, the Big Red Dog (Clifford, el Gran Perro Rojo), que le hizo merecedor de dos nominaciones al premio Emmy
Se casó dos veces, la primera con la actriz Nancy Morgan (1977-1996) y posteriormente con la actriz Amy Yasbeck (1999-2003).
En su primer matrimonio tuvo tres hijos (Carly, Tyler y Jason), y en su segundo matrimonio tuvo sólo una hija (Stella).
En el año 2000, interpretó a Claude Pinchon en The Dinner Party, en el Music Box Theatre en Broadway. Gracias a ésta interpretación, ganó el premio Theatre World Award.
En el 2002, vuelve a la televisión en la serie 8 Simple Rules for Dating My Teenage Daughter. En ese mismo año también participó en la serie "Scrubs" como padre del personaje principal "Dr. "J.D." Dorian". Posterior a su muerte en el 2003, en la serie "Scrubs" se le dedico un capítulo a su muerte.
La última película que filmó fue Bad Santa (2003).
Durante la segunda temporada en la televisión, luego de su retorno, se enferma seriamente, muriendo el día 11 de septiembre de 2003, a la edad de 54 años, en un hospital cerca a Burbank. La causa de su muerte fue por una disección en la arteria aorta, resultado de una enfermedad congénita no diagnosticada.

Jonathan Brandis, video homenaje-

2010-10-20T10:09:00.000-07:00

Jonathan Brandis, breve biografía tomada de Wikipedia.

2010-10-20T10:03:00.000-07:00

Jonathan Gregory Brandis (13 de abril de 1976 – 12 de noviembre de 2003) fue un actor estadounidense.
Jonathan Brandis nació en Danbury, estado de Connecticut. Era el hijo único de Gregory Brandis, un distribuidor de comida, y Mary profesora y agente personal.Con cinco años ya hacía anuncios en televisión, de juguetes, cereales y otros productos.Su vida estuvo marcada por numerosos problemas con las drogas. El 12 de noviembre, cuando contaba con sólo 27 años, se ahorcó.1 2 3 Un amigo lo encontró al día siguiente. Durante su corta vida mantuvo romances con Vinessa Shaw, Tatyana Ali y Mónica Keena entre otras.

Trayectoria

Brandis debutó, en 1982, a los 6 años, en el culebrón One Live to Life. Cinco años después, en 1987 hizo una aparición en Atracción Fatal. Posteriormente fue actor invitado en series como Kate y Allie, La ley de los Ángeles, Se ha escrito un crimen, Flash: el relámpago humano o Blossom.
En 1990 consiguió su primer papel protagonista en la película La historia interminable 2: El siguiente capítulo (en españa), la historia sin fin (en latinoamérica). Ese mismo año consiguió el papel de Bill Denbrough en la miniserie It basada en el libro de Stephen King.
En 1992 rodó dos películas que no tuvieron mucho éxito. Todo por mi chica junto a Rodney Dangerfield y Juntos para vencer junto a Chuck Norris.
En 1993 dio vida a Lucas Wolenczak en la serie de ciencia-ficción SeaQuest: los vigilantes del fondo del mar; con este papel consiguió en 1994 el premio a mejor actor joven de una serie. En la tercera temporada se trató de hacer una remodelación de la serie cambiándole el nombre por SeaQuest 2032 pero no funcionó y fue cancelada antes de acabar su tercer año de emisión.
Tras el fracaso de la serie, Brandis prosiguió su carrera de manera discreta apareciendo en 1996 en telefilms como Nacida libre 2 y Empujada al vacío entre otros.
A finales de los 90 consiguió un papel protagonista en No puedo perderte por algo tan tonto como el sexo junto a Alec Baldwin y un papel secundario en Cabalgando con el diablo junto a Tobey Maguirre, Jonathan Rhys Meyers y Jewel.
En 2002 hizo un breve papel en La guerra de Hart junto a Colin Farrell y Bruce Willis. Entre sus últimos trabajos actuó en Puerto Vallarta Squeeze y 111 Gramercy Park. En 2005 se estrenó su película póstuma donde contaba con un papel secundario A fate totally worse than death. El 11 de noviembre, a las 23:40, un amigo llamó a la policía informando de que Brandis había intentado suicidarse. Rápidamente le trasladaron al hospital, pero no pudieron hacer nada por salvarle y se certificó su muerte a las 14:45 del 12 de noviembre

Dana Plato , la nena de Blanco y Negro.

2010-10-20T09:55:00.000-07:00

Dana Plato , breve biografía tomada de Wikipedia.

2010-10-20T09:46:00.000-07:00

Dana Michelle Plato (7 de noviembre de 1964, Maywood, California, Estados Unidos - 8 de mayo de 1999) fue una actriz estadounidense, reconocida por su papel en la serie Diff'rent Strokes. Murió en 1999, de una sobredosis de Vanadom y Vicodin, a los 34 años.
En 1983, quedó embarazada y su papel fue cancelado. Regresó un año después para las temporadas 1985-1986.

Luchas legales

En su extraordinaria carrera, luego de dejar el set de Blanco y Negro, fue arrestada por asaltar una tienda de videos, fue arrestada también por falsificar una receta de Valium, se casó, tuvo un hijo en 1984 (Tyler Lambert) y se separó, perdiendo la custodia de Tyler, y agudizó su adicción a la cocaína (adquirida en la época de Blanco y Negro) y su alcoholismo (adquirido a los 14 años).
Al abandonar la serie de TV hizo un pictorial para Playboy que poco le ayudó en su desafortunada carrera. Después de tener problemas al ser adicta al alcohol y a las drogas, casarse y divorciarse, ser detenida por asalto y por posesión de drogas, aumentarse los senos quirúrgicamente en un intento desesperado por conseguir papeles, e intentar suicidarse varias veces, terminó viviendo en un camper y haciendo películas "soft porn" de bajo presupuesto. Nunca más volvió a tener un papel protagónico. Murió en su casa rodante el 8 de mayo de 1999, de una sobredosis de Loritab a los 34 años de edad.

Curiosidades

Fue la primera celebridad que apareció protagonizando un juego electrónico, Night Trap, juego catalogado altamente extrovertido, adaptable para la consola SEGA CD.
En su momento rechazó los papeles protagonistas de El Exorcista y Pretty Baby, que luego protagonizarían Linda Blair y Brooke Shields respectivamente.[cita requerida]
Posó para Playboy en 1989.
Se declaró lesbiana, e hizo unas cuantas películas softcore, incluyendo "Different Strokes: The Story of Jack and Jill… and Jill", catalogada como X en EE. UU. y donde hace un rol lésbico.
El 6 de mayo de 2010 (a sólo dos días del aniversario 11 de la muerte de Dana Plato), su único hijo Tyler Lambert de 25 años se suicidó de un disparo en la cabeza con una escopeta. El aspirante a actor nunca superó la pérdida de su madre, y de igual forma vivió sumido en el alcohol y las drogas.

Filmografía

Trabajo en televisión
Diff'rent Strokes (1978–1986)
Películas
Año Título de la película Otras notas
1992 The Sounds of Silence
1997 Blade Boxer
1998 The Hostage
1998 Different Strokes
1999 Silent Scream

Patrick Swayze,fotos para el recuerdo

2010-10-20T09:38:00.000-07:00

Patrick Swayze, GHOST.

2010-10-20T09:27:00.000-07:00

Patrick Swayze, Lisa Niemi - Patrick Swayze - George de la Pena - One Last Dance [HQ]

2010-10-20T09:22:00.000-07:00

LAMENTABLEMENTE NO SE PUEDEN COPIAR LOS VIDEOS MÁS POPULARES, ASÍ QUE LO RECUERDO CON ÉSTE.

Patrick Swayze, su muerte.

2010-10-20T09:11:00.000-07:00

Para el año nuevo de 2008, Swayze y su esposa celebraron las festividades, sin embargo notó que el champagne le "ardía" en su estómago y además sus deshechos fisiológicos eran de apariencia poco normal, entonces supo que estaba ante una dolencia desconocida; pero él declaró : "- No había nada raro en mí-"
En enero de 2008, le fue detectado un cáncer de páncreas en fase IV (avanzada y con sólo un 5% de posibilidades de sobrevida). Swayze fue sometido a una cirugía de emergencia después de que el cáncer se le extendiese y parte de su estómago fue extirpado. En mayo de 2008, la revista española OK informó de que Swayze había dejado sus propiedades a nombre de su esposa, Lisa Niemi, tal vez en previsión de un mal desenlace. En noviembre de 2008 diversos medios de la prensa escrita anunciaron que su cáncer había empeorado (llegando al hígado) y que se despidió de sus seres queridos.4 5 No obstante su mujer, a través de una carta al círculo de admiradores oficial de Swayze, desmintió este hecho asegurando que tan sólo se había encontrado «una pequeña cantidad de cáncer» y que aún no se había producido ninguna despedida.6 Muchos medios de comunicación dieron la noticia de que a Swayze sólo le quedaban cinco semanas de vida, ya que el tumor se había esparcido rápidamente. Al parecer, Patrick Swayze estuvo viajando hacia la Universidad de Stanford para tratarse en un prestigioso centro de Palo Alto con intensas sesiones de quimioterapia.
Patrick Swayze y su representante desmintieron en varias ocasiones, mediante comunicados de prensa, que su estado fuese crítico. En su último comunicado, Swayze era muy optimista y señalaba que regresaría pronto al trabajo.
En abril de 2009 los médicos comunicaron a Patrick Swayze que el cáncer se había extendido a su hígado. El 19 de mayo de 2009 su representante desmintió los rumores que inundaban la Internet acerca de la muerte del actor.7 «La esperanza es algo muy frágil en la vida de cualquiera y la gente que quiero no necesita que le roben la esperanza cuando no está justificado y cuando no es cierto», remarcaba Swayze.
Finalmente, el 14 de septiembre de 2009 el actor falleció a los 57 años de edad en un hospital de la ciudad de Los Ángeles, Swayze dejó en audio un testimonio de despedida que formará parte de su autobiografía, próxima a salir a la venta.8
Su cuerpo fue incinerado después de su funeral y sus cenizas llevadas a su rancho por su esposa Lisa.

Patrick Swayze, biografía tomada de Wikipedia.

2010-10-20T09:06:00.000-07:00

Patrick Swayze nació el 18 de agosto de 1952 en Houston (Texas). Hijo de Patricia Patsy Yvonne Helen (nacida en 1927), una coreógrafa, instructora de baile y bailarina, y Jesse Wayne Swayze (1925-1982), un redactor de ingeniería.3 Tenía 4 hermanos: Vicki (1949-1994), Don (1958) que también es actor, Sean (1962) y Bambi (adoptada).
Patrick sobresalió desde joven por sus aptitudes físicas y por su interés por las artes escénicas. En el instituto destacó más por sus cualidades atléticas que por sus logros académicos, llegando a ganar varios torneos en atletismo y en fútbol americano.
Su carrera deportiva se vio interrumpida por causa de sus problemas en las rodillas, por lo que tuvo que abandonar sus pretensiones deportivas. Después de abandonar los deportes, se instaló en Nueva York para estudiar ballet en la Harkness Ballet School y en la Joffrey Ballet School, donde consiguió hacerse bailarín profesional.
En 1975 se casó con la también bailarina y actriz, Lisa Niemi, a quien conoció en su adolescencia en las clases de baile de su madre, Patsy.

Primeros trabajos

Patrick Swayze con su esposa Lisa Niemi en la alfombra roja durante la entrega de los premios Óscar, el 29 de marzo de 1989.
Representó varias obras musicales en el teatro como bailarín, entre las que se encontraba Grease, antes de dar el paso a gran pantalla. En el año 1979 participó en la película de televisión Skatetown, U.S.A. (La Fiebre del Patín).
A principio de los años ochenta realizó varios papeles secundarios en series de televisión, hasta que en 1983 fue seleccionado por Francis Ford Coppola para completar el reparto de la película Rebeldes, junto a otros actores importantes como Matt Dillon, Rob Lowe, Diane Lane, Ralph Macchio, y Tom Cruise, entre otros. Luego vinieron proyectos como Más allá del valor, de Ted Kotcheff, junto a Gene Hackman y Fred Ward, donde interpretó a un veterano de Vietnam que debía ayudar a su antiguo coronel a rescatar a su hijo. También hizo una aparición como extra en la pista de baile en la película musical Stayin' Alive (1983), secuela de Fiebre del sábado noche dirigida por Sylvester Stallone.
En 1984 protagonizó la película Amanecer rojo, de John Milius, junto a C. Thomas Howell y Charlie Sheen.
En 1985 coprotagonizó con James Read la mítica serie de televisión Norte y Sur, basada en la historia de John Jakes sobre la Guerra de Secesión de Estados Unidos que contó con otros actores como Kirstie Alley, David Carradine, Lesley-Anne Down y las leyendas Gene Kelly, Jean Simmons, Olivia de Havilland y Elizabeth Taylor.
En 1986 trabajó en la película Youngblood, de Peter Markle, junto a Rob Lowe y Cynthia Gibb.

Consolidación de su carrera

Patrick Swayze en la 61.ª entrega de los premios Óscar (1989).
En 1986 volvió a la televisión para participar en la segunda parte de Norte y Sur, y actuó en la película de ciencia ficción El guerrero del amanecer, junto con su esposa Lisa Niemi y el actor Arnold Vosloo, luego famoso por La momia (1999).
En 1987 rodó Dirty Dancing, película con la que se hizo mundialmente conocido. Una de las canciones de la banda sonora de esta película fue She’s Like the Wind, que fue compuesta y cantada por él mismo, y fue número dos durante varias semanas seguidas en la lista de sencillos de Estados Unidos y vendió miles de copias en todo el mundo. En ese año también protagonizó uno de los capítulos de la serie Cuentos asombrosos, producida por Steven Spielberg.
Entre 1988 y 1989, Swayze se hizo un actor muy cotizado, y pronto se convirtió en reclamo publicitario de grandes marcas de ropa, perfumes, etc... En esos años protagonizó películas como Con su propia ley y Roadhouse (El duro).
A principios de la nueva década mantuvo su condición de estrella con varios éxitos. En 1990 marcó otro hito taquillero de alcance mundial y recibió muchas críticas favorables con la película Ghost, dirigida por Jerry Zucker y coprotagonizada por Demi Moore y Whoopi Goldberg.
En 1991, tras superar algunos problema con el alcohol y las drogas, participó en otra exitosa película ambientada en el mundo del surf, Point Break (Le llamaban Bodhi), dirigida por Kathryn Bigelow y coprotagonizada por Keanu Reeves. Al año siguiente protagonizó una película totalmente distinta a la anterior, La ciudad de la alegría dirigida por Roland Joffé y basada en la novela del escritor Dominique Lapierre, en la que interpretó a Max Lowe, un médico que viaja a la India para dar un nuevo significado a su vida.

En segundo plano

En 1993 protagonizó la comedia infantil El enemigo público nº1... mi padre, junto a Halle Berry y Michael Ironside. En 1995 abordó posiblemente su papel más atípico en la comedia A Wong Foo, gracias por todo, Julie Newmar. Intentando igualar el éxito de la película Priscilla reina del desierto , Swayze, Wesley Snipes y John Leguizamo interpretaron a un grupo de drag-queens que realizan un viaje rumbo a Hollywood a bordo de un Cadillac rentado. También en 1995 Swayze protagonizó la película Tres deseos, dirigida por Martha Coolidge, junto con Mary Elizabeth Mastrantonio.
En 1998, después de un parón provocado por el poco éxito de taquilla de sus últimos trabajos, protagonizó la película de acción Black Dog, de Kevin Hooks, y la película de misterio Cartas de un asesino, de David Carson. En 2000, coprotagonizó el drama romántico Forever Lulu, junto a Melanie Griffith, y al año siguiente se ganó el favor de la crítica al participar en la elogiada Donnie Darko, dirigida por Richard Kelly y protagonizada por Jake Gyllenhaal.
Swayze siguió alternando diversos géneros en sus últimos años en el cine. En 2001 interpretó al sargento Jim Lance en Green Dragon, de Timothy Linh Bui, y en 2002 trabajó en Waking Up in Reno, una comedia dirigida por Jordan Brady y en la que compartió reparto con Billy Bob Thornton, Natasha Richardson y Charlize Theron. En 2003 participó en la película 11:14, de Greg Marcks. También protagonizó y produjo la película One Last Dance junto a su esposa, Lisa Niemi, quien también dirigió esta película ambientada en el mundo de la danza.
En 2004 volvió a la televisión para rodar la miniserie Las minas del rey Salomón. También realizó un pequeño papel en la película Dirty Dancing 2 e interpretó al malvado Garth en George y el Dragon. En 2005, protagonizó la película Icon, una versión para la televisión del libro de Frederick Forsyth, El manifiesto negro, junto a Patrick Bergin y Ben Cross, y participó en la comedia británica Secretos de familia, junto a los actores Rowan Atkinson, Kristin Scott Thomas y Maggie Smith. En 2006, puso voz al personaje animado Cash en El zorro y el sabueso 2.
En 2007 interpretó al abogado Richard Pressburger en una película basada en hechos reales Muerte y castigo y trabajó en la película televisiva Navidad en el País de las Maravillas. Su última participación en un film tuvo lugar en 2008 en la pélicula Powder Blue de Timothy Linh Bui, en la cuál compartió reparto con Jessica Biel, Forest Whitaker y Ray Liotta, entre otros.
[editar]Último trabajo: The Beast
Al detectársele el cáncer que terminaría con su vida, Patrick Swayze se sometió a un duro tratamiento pero decidió seguir trabajando y protagonizó la serie televisiva The Beast, en la que interpretaba a Charles Barker, un veterano policía de Chicago. Se dijo que durante la grabación Swayze renunció a paliar sus dolores con medicación, pues temía perder matices en su actuación. Ante el éxito de la primera temporada de la serie, Swayze quiso firmar por la segunda, pero su salud decayó tanto que los productores prefirieron cancelar el proyecto. Esta serie se empezó a emitir en España a principios de otoño de 2009.

Próximos Mitos. Al fredo Zitarrosa, Farah Fawcett, Michael Jackson y Muchos más.

2010-05-15T12:15:00.000-07:00

ALFREDO ZITARROSA

Freddie Mercury. Próximo Mito.

2010-02-22T10:33:00.000-08:00

Eduardo Palomo. Fotos para el recuerdo

2010-02-22T10:29:00.000-08:00

Eduardo Palomo- Corazón Salvaje

2010-02-22T10:24:00.000-08:00

Eduardo Palomo

2010-02-22T10:22:00.001-08:00

Eduardo Palomo, su muerte.

2010-02-22T10:18:00.000-08:00

Fallecimiento
El 6 de noviembre de 2003, Eduardo Palomo falleció a los 41 años de edad a causa de un infarto fulminante, mientras cenaba con unos amigos en un restaurante de la Avenida Melrose, de la ciudad de Los Ángeles. El infarto fue causado por una cardiopatía, según los análisis forenses. En ese entonces, Eduardo Palomo preparaba la obra de teatro Una pareja con ángel, que pretendía presentar en Estados Unidos y México. También participaría en la muestra de cine de Arc Light en Hollywood,

Eduardo Palomo. Biografía

2010-02-22T10:13:00.000-08:00

Eduardo Estrada Palomo (Ciudad de México; 13 de mayo de 1962 — Los Ángeles; † 6 de noviembre de 2003). Fue un actor y cantante mexicano.

Eduardo estudió hasta la preparatoria en el Instituto Juventud. Poco antes de abandonar los estudios para dedicarse a ser actor, estudiaba diseño gráfico en la UNAM. Como actor, fue alumno de Julio Castillo en el Instituto Andrés Soler, también estudió canto, baile, y expresión corporal, además fue alumno del CEA de Televisa. En 1974 Eduardo Palomo se inicia en teatro en la obra Los diez mandamientos. Y en 1975 participó en la obra infantil Mi dulce sueño. De ahí su trabajo sobre el escenario comprendió más de quince obras, entre las que destacan: Requiem a Mozart (1994), Complacencias (1993), Sugar (1992), Enemigo de Clase (1991).

Discografía
En 1993 grabó su primer y único disco, con diez canciones, llamado: "Mover el Tiempo".

Mudándome de Ti
Tira de la Rueda
Amada Hasta el Fin
Convirtiendo
Sara
Las Cuentas Claras
Gente Normal
Quién Va a Perder
Girando en un Sentido
Piel con Piel".
Telenovelas
Su trayectoria en televisión quizá es la faceta por la que fue más conocido, en las telenovelas que participó fueron:

"Por Amor" (1981),
"Lo que el amor no perdona" (1982)
"Mañana es Primavera" (1982)
"Eclipse" (1984)
"El Ángel Caído" (1985)
Juana Iris (1986)
"Cautiva" (1986)
"Lista Negra" (1987)
"Tal Como Somos" (1987)
"La casa al final de la calle" (1988)
"Yo compro esa mujer" (1990)
"La fuerza del amor" (1990)
"Alcanzar una estrella II" (1991)
"La pícara soñadora" (1991)
"Triángulo" (1992)
"Corazón salvaje"(1993)
"Morir dos veces" (1996)
Huracán (1997)
"Ramona"(2000), este sería su última aparición en telenovelas mexicanas.
y participó en el programa de comedia: "No Empujen" (1982).

En Corazón salvaje (1993) en la que dio vida a Juan del Diablo al lado de Edith González fue el personaje más importante. Después siguieron "Morir dos veces" (1996), "Huracán" (1997) y "Ramona" (1999).

También destacó como uno de los actores recurrentes en el programa unitario La hora marcada.

Premios y nominaciones
Premios TVyNovelas
Año Categoría Telenovela Resultado
1994 Mejor actor protagónico Corazón salvaje Ganador
1994 Mejor actor revelación La casa al final de la calle Ganador

Matrimonio
En el 26 de noviembre de 1994 contrajo matrimonio con la actriz Carina Ricco, de cuya unión nacieron dos hijos: Fiona Alexa, nacida el 12 de octubre de 1998 y Luca, que nació el 15 de octubre de 2000. En 2003, en Hollywood, interpretó el papel de ‘Lazareno’ en la serie Kingpin.

Filmografía 2003 El Misterio del Trinidad, de José Luis García Agraz

2002 Cojones, de Ted Mendenhall

1999 Tarzán, Voz. [Disney]

1999 Crónica de un desayuno, de Benjamín Cann.

1993 Las Mil y una aventuras del metro, de Antulio Jiménez Pons.

1991 Gertrudis Bocanegra, de Ernesto Medina.

1991 Mi querido Tom Mix, de Carlos García Agraz.

1991 Bandidos, de Luis Estrada.

1990 La mujer de Benjamín

1990 El Extensionista, de Rafael Pérez Gavilán.

1989 Rojo Amanecer, de Jorge Fons.

1985 El Destructor.

1983 Líneas Cruzadas.

1982 Sin privilegios

Aaliyah. Fotos para el recuerdo

2010-02-22T09:57:00.001-08:00

Aaliyah - Don't Know What To Tell Ya

2010-02-22T09:52:00.000-08:00

Aaliyah - Rock The Boat

2010-02-22T09:50:00.000-08:00

Aaliyah- Tragedia y muerte

2009-10-02T18:17:00.000-07:00

El accidente aéreo en el que murió ocurrió cuando volvía de filmar el vídeoclip Rock The Boat; el segundo single del álbum Aaliyah; en las Bahamas en 2001.

La causa del accidente fue que el conductor del avión había tomado estupefacientes, y además estaba alcoholizado.

Rock The Boat logró convertirse en un gran éxito en emisoras de radio y en canales video y las trágicas noticias de su muerte dieron a su álbum enormes ventas en alza.

Tristemente, algunos de los más grandes éxitos del álbum sucedieron solamente después de la muerte de Aaliyah, incluyendo los dos restantes singles, More Than A Woman (que tenía un vídeo que había sido filmado antes de su muerte), y Care 4 U que fue un gran éxito en la radio incluso sin videoclip.

Más recientemente ha sido lanzado un álbum póstumo en nombre de Aaliyah de grande éxitos.

En él también se incluye un nuevo single titulado Miss You cantado por Missy Elliott, Lil' Kim, Toni Braxton, Boyz II Men, Brandy, Faith Evans, P. Diddy, Kelly Price, Lauryn Hill y muchos otros con el que rinden homenaje a Aaliyah en su vídeo.

Los restos mortales de Aaliyah se encuentran en el cementerio y mausoleo Ferncliff, en Hartsdale, Nueva York.

Fuente: Wikipedia
Continuará...

Aaliyah- Breve biografía

2009-10-02T18:11:00.000-07:00

Aaliyah Dana Haughton se realiza el 16 de enero de 1979 a Brooklyn, Nueva York. Pasa sin embargo la mayor parte de su infancia en una otra gran metrópolis americana: Detroit, Michigan. A partir de su más joven edad, coge el virus de la canción: ayudas de bordes, pruebas y shows se suceden a un ritmo constante. Su pasión para el borde y la danza no deja indiferente a su familia ya muy implicada en el show, en particular su tío y agente artístico Barry Hankerson.
Por ello canta a Cansancio Vegas con Gladys Knight, la exmujer de Barry. Su sueño: volver el próximo Whitney Houston cuyas canciones conoce todas por corazón. Aaliyah hace sus verdaderos principios en 1994 con Edad Ain' t Nothing Objetivo A Number. Un primer álbum prometedor los títulos "Back & Forth" y "At Your Best (You Are Love)" se clasifican en la Señal-10 de los singles americanos. Este éxito no le impide guardar los pies sobre tierra puesto que sigue frecuentando el "High School of the Performing Arts" dónde obtiene notas muy a hecho honorables. Solamente sombra al cuadro: el rumor afirma que la joven muchacha - no tiene que 15 años en la época - convolé en justas bodas con su productor, R. Kelly.
En 1996, Aaliyah saca un segundo álbum, siempre con la complicidad de R. Kelly: One en A Millón. Allí participan Missy Elliott y Timbaland (Tim Mosley). Su música, teñida de R&B y de una punta de hip-hop, seduce a un público cada vez más amplio. Pero Aaliyah desea explorar otras pistas. La gran pantalla lo atrae. Descuelga un primer papel en "Romeo Must Die" del realizador Andrzej Bartkowiak. Más recientemente, vuelve "a la Reina del Damnés", a Australia. Hay el papel de un vampiro egipcio de 6000 años. ¡Curiosamente, reconoce haber apreciado este papel para su lado sexy! Se presiente también para jugar a los lados de Keanu Reeves en la consecuencia de Matrix. En 2001, cinco años después de su último álbum estudio, nosotros vuelve de nuevo con un tercero opus épo: Aaliyah. No lo sabe aún, pero será su último disco, más personal de su corta carrera. Se compromete completamente, no sólo en tanto como interpreta sino también en tanto como productrices tu ejecutivo, a los lados de su tío. Lo describe como el álbum de la madurez. Ella misma cambió. A 22 años, se considera en adelante como un adulto. Eso se siente sobre el disco: contiene melodías que bailan y también de otras canciones más melancólicas. Resumidamente, un cuadro más moderado de la vida, a veces oscura como cuando menciona la violencia doméstica en "Never No More". El 25 de agosto de 2001, la nueva tumba en todas las agencias de prensa: Aaliyah sucumbió en un accidente de avión, así que 7 otros pasajeros y el piloto. El chorro se aplastó en la isla de Abaco, en las Bahamas, poco tiempo después del despegue. Así se acaba la carrera de la reina del R&B.

Fuente:http://www.stars-celebrites.com/AALIYAH/imprimible-aaliyah.htm

La Negra Vernaci habla con Milagros Lopez que es Fernando Peña.

2009-06-18T15:44:00.000-07:00

FOTOS PARA EL RECUERDO.

La Mega - Fernando Peña

2009-06-18T15:39:00.001-07:00

Luis D´Elia vs. Fernando Peña

2009-06-18T15:35:00.000-07:00

El piquetero L.DÉlia insultando a Fernando Peña.Hay gente que no sabe diferenciar al artista de sus personajes.

Martín Revoira Lynch - Suiza o Bolivia

2009-06-18T15:24:00.000-07:00

Martín Revoira Lynch - Horror en San Isidro

2009-06-18T15:22:00.000-07:00

Roberto Flores - Fernando Peña

2009-06-18T15:01:00.000-07:00

Martín Revoira Lynch - Fernando Peña

2009-06-18T14:39:00.000-07:00

UN GENIO.........¡¡¡¡

Carta abierta a Cristina de Fernando Peña

2009-06-18T14:07:00.000-07:00

Carta abierta a Cristina de Fernando Peña

Sábado 29 de marzo CRITICADIGITAL.com
Año I | Edición Nº28 Jorge Lanata

Carta abierta a Cristina
Fernando Peña
29.03.2008
Cristina, mucho gusto. Mi nombre es Fernando Peña, soy actor, tengo 45 años y soy uruguayo. Peco de inocente si pienso que usted no me conoce, pero como realmente no lo sé, porque no me cabe duda que debe de estar muy ocupada últimamente trabajando para que este país salga adelante, cometo la formalidad de presentarme. Siempre pienso lo difícil que debe ser manejar un país... Yo seguramente trabajo menos de la mitad que usted y a veces me encuentro aturdido por el estrés y los problemas. Tengo un puñado de empleados, todos me facturan y yo pago IVA, le aclaro por las dudas, y eso a veces no me deja dormir porque ellos están a mi cargo. ¡Me imagino usted! Tantos millones de personas a su cargo, ¡qué lío, qué hastío! La verdad es que no me gustaría estar en sus zapatos. Aunque le confieso que me encanta travestirme, amo los tacos y algunos de sus zapatos son hermosísimos. La felicito por su gusto al vestirse.

Mi vida transcurre de una manera bastante normal: trabajo en una radio de siete a diez de la mañana, después generalmente duermo hasta la una y almuerzo en mi casa. Tengo una empleada llamada María, que está conmigo hace quince años y me cocina casero y riquísimo, aunque veces por cuestiones laborales almuerzo afuera. Algunos días se me hacen más pesados porque tengo notas gráficas o televisivas o ensayos, pruebas de ropa, estudio el guión o preparo el programa para el día siguiente, pero por lo general no tengo una vida demasiado agitada.

Mi celular suena mucho menos que el suyo, y todavía por suerte tengo uno solo. Pero le quiero contar algo que ocurrió el miércoles pasado. Es que desde entonces mi celular no deja de sonar: Telefe, Canal 13, Canal 26, diarios, revistas, Télam… De pronto todos quieren hablar conmigo. Siempre quieren hablar conmigo cuando soy nota, y soy nota cuando me pasa algo feo, algo malo. Cuando estoy por estrenar una obra de teatro –mañana, por ejemplo– nadie llama. Para eso nadie llama. Llaman cuando estoy por morirme, cuando hago algún “escándalo” o, en este caso, cuando fui palangana para los vómitos de Luis D’Elía. Es que D’Elía se siente mal. Se siente mal porque no es coherente, se siente mal porque no tiene paz. Alguien que verbaliza que quiere matar a todos los blancos, a todos los rubios, a todos los que viven donde él no vive, a todos lo que tienen plata, no puede tener paz, o tiene la paz de Mengele.

Le cuento que todo empezó cuando llamé a la casa de D’Elía el miércoles porque quería hablar tranquilo con él por los episodios del martes: el golpe que le pegó a un señor en la plaza. Me atendió su hijo, aparentemente Luis no estaba. Le pregunté sencillamente qué le había parecido lo que pasó. Balbuceó cosas sin contenido ni compromiso y cortó.

Al día siguiente insistí, ya que me parecía justo que se descargara el propio Luis. Me saludó con un “¿qué hacés, sorete?” y empezó a descomponerse y a vomitar, pobre Luis, no paraba de vomitar. ¡Vomitó tanto que pensé que se iba a morir! Estaba realmente muy mal, muy descompuesto. Le quise recordar el día en el que en el cine Metro, cuando Lanata presentó su película Deuda, él me quiso dar la mano y fui yo quien se negó. Me negué, Cristina, porque yo no le doy la mano a gente que no está bien parada, no es mi estilo. Para mí, no estar bien parado es no ser consecuente, no ser fiel.

Acepto contradicciones, acepto enojos, peleas, puteadas, pero no tolero a las personas que se cruzan de vereda por algunos pesos. No comparto las ganas de matar. El odio profundo y arraigado tampoco. Las ganas de desunir, de embarullar y de confundir a la gente tampoco. Cuando me cortó diciéndome: “Chau, querido…”, enseguida empezaron los llamados, primero de mis amigos que me advertían que me iban a mandar a matar, que yo estaba loco, que cómo me iba a meter con ese tipo que está tan cerca de los Kirchner, que D’Elía tiene muuuucho poder, que es tremendamente peligroso. Entonces, por las dudas hablé con mi abogado. ¡Mi abogado me contestó que no había nada qué hacer porque el jefe de D’Elía es el ministro del Interior! Entonces sentí un poco de miedo. ¿Es así Cristina? Tranquilíceme y dígame que no, que Luis no trabaja para usted o para algún ministro. Pero, aun siendo así, mi miedo no es que D’Elía me mate, Cristina; mi miedo se basa en que lo anterior sea verdad. ¿Puede ser verdad que este hombre esté empleado para reprimir y contramarchar? ¿Para patotear? ¿Puede ser verdad? Ése es mi verdadero miedo. De todos modos lo dudo.

Yo soy actor, no político ni periodista, y a veces, aunque no parezca, soy bastante ingenuo y estoy bastante desinformado. Toda la gente que me rodea, incluidos mis oyentes, que no son pocos, me dicen que sí, que es así. Eso me aterra. Vivir en un país de locos, de incoherentes, de patoteros. Me aterra estar en manos de retorcidos maquiavélicos que callan a los que opinamos diferente. Me aterra el subdesarrollo intelectual, el manejo sucio, la falta de democracia, eso me aterra Cristina. De todos modos, le repito, lo dudo.

Pero por las dudas le pido que tenga usted mucho cuidado con este señor que odia a los que tienen plata, a los que tienen auto, a los blancos, a los que viven en zona norte. Cuídese usted también, le pido por favor, usted tiene plata, es blanca, tiene auto y vive en Olivos. A ver si este señor cambia de idea como es su costumbre y se le viene encima. Yo que usted me alejaría de él, no lo tendría sentado atrás en sus actos, ni me reuniría tan seguido con él.

De todas maneras, usted sabe lo que hace, no tengo dudas. No pierdo las esperanzas, quiero creer que vivo en un país serio donde se respeta al ciudadano y no se lo corre con otros ciudadanos a sueldo; quiero creer que el dinero se está usando bien, que lo del campo se va a solucionar, que podré volver a ir a Córdoba, a Entre Ríos, a cualquier provincia en auto, en avión, a mi país, el Uruguay… por tierra algún día también.

Quiero creer que pronto la Argentina, además de los cuatro climas, Fangio, Maradona y Monzón, va a ser una tierra fértil, el granero del mundo que alguna vez supo ser, que funcionará todo como corresponde, que se podrá sacar un DNI y un pasaporte en menos de un mes, que tendremos una policía seria y responsable, que habrá educación, salud, piripipí piripipí piripipí, y todo lo que usted ya sabe que necesita un país serio. No me cabe duda de que usted lo logrará. También quiero creer que la gente, incluso mis oyentes, hablan pavadas y que Luis D’Elía es un señor apasionado, sanguíneo, al que a veces, como dijo en C5N, se le suelta la cadena. Esa nota la vio, ¿no? Quiero creer, Cristina, que Luis es solamente un loco lindo que a veces se va de boca como todos. Quiero creer que es tan justiciero que en su afán por imponer justicia social se desborda y se desboca. Quiero creer que nunca va a matar a alguien y que es un buen hombre. Quiero creer que ni usted ni nadie le pagan un centavo. Quiero creer que usted le perdona todo porque le tiene estima. Quiero creer que somos latinos y por eso un tanto irreverentes, a veces también agresivos y autoritarios. Quiero creer que D’Elía no me odia y que, la próxima vez que me lo cruce en un cine o donde sea, me haya demostrado que es un hombre coherente, trabajador decente con sueldo en blanco y buenas intenciones.

Cuando todo eso suceda, le daré la mano a D’Elía y gritaré: “Viva Cristina”… Cuántas ganas tengo de que todo eso suceda. ¿Estaré pecando de inocente e ingenuo otra vez? Espero que no.

La saluda cordialmente,

Fernando Peña

SE FUE UN GRANDE: MURIO FERNANDO PEÑA

2009-06-18T14:00:00.000-07:00

El actor y conductor radial, Fernando Peña, falleció a los 46 años en el Instituto Alexander Fleming, de Belgrano, luego de luchar contra un cáncer de hígado. La triste noticia la dio a conocer su compañero en radio Metro, Matías Martin.

La noticia conmocionó nuestra redacción y provocó un profundo dolor en el mundo del espectáculo.

Peña falleció a los 46 años, luego de luchar por varios años contra un cáncer de hígado. También era portador de HIV.

La triste noticia que nunca hubiésemos querido escuchar la dio a conocer su amigo y compañero en radio Metro, Matías Martin.

Fernando, creador de personajes como Milagritos López, Martín Revoira Lynch, falleció esta tarde en la clínica Alexander Fleming de esta Capital a causa de un cáncer.

Nacido en Montevideo hace 46 años, Peña fue un trotamundos que a partir de esa experiencia vital fue construyendo una galería de irreverentes personajes que pasaron por la radio y el teatro.

El artista, que era portador de VIH, fue internado de urgencia ayer a causa de un cáncer y su deceso se produjo esta tarde según lo anunció Matías Martin, su colega y amigo en FM Metro.

A partir de esa noticia, la emisora sita en el 95.1 del dial levantó toda su programación en homenaje al artista que pasó una década frente a sus micrófonos.

Peña llegó a la radio de la mano de Lalo Mir, quien descubrió a un comisario de abordo que imitaba a una señora mayor caribeña, Milagros López, por el micrófono de un avión de Eastern Airlines, cuando se aprestaba a realizar un vuelo rumbo a Chile.

Mir pidió conocerlo, Peña le presentó varios de sus personajes y a partir de allí fue derecho a Rock and Pop, su primer hogar, donde cautivó a la gente.

La fama le llego de la mano de personajes como el concheto de San Isidro, Martín Revoira Lynch, su caribeña Milagros Dolores Guadalupe López López, Rafael Orestes Porelorti, el gay Roberto María Flores y el obrero Rubén Ramón Sixto Alegre (Palito).

También creó a Cristina Patricia Megahertz (La Mega) y Ricardo Alfredo Ñuñoa Cruz (Dick Alfredo), que llegó a conducir el programa “Grafitti” en FM Energy.

Los oyentes de la Rock and Pop recuerdan los segmentos delirantes de conversaciones de Porelorti y el gay Flores con la Negra Elizabeth Vernaci, y las “peleas” de Revoira Lynch con Lalo.

Peña era hijo de un hombre de los medios, el recordado comentarista deportivo Pepe Peña -que trabajó con Dante Panzeri-, su madre María José “Malena” Mendizábal, y tenía un hermano, menor que él, que vive en Estados Unidos y es músico.

Luego de un tiempo bajo el padrinazgo de Lalo y Vernaci, Peña tuvo su primer ciclo radial y creó “El Parquímetro” con el que recaló en La Metro, donde este año cumplió 10 años y realizó una loca maratón que estuvo al aire durante 24 horas.

Por ese entonces y ya instalado en los medios, no dejó de pasar por el living de Susana Giménez en Telefé donde dijo una de sus frases célebres: “no soy gay, soy un puto sufrido”.

En pleno gobierno de Fernando de la Rúa, el Comité Federal de Radiodifusión (Comfer) le levantó el programa por las malas palabras que lanzaba al éter, en un caso que fue denunciado como de censura y que le generó un escándalo a la administración aliancista.

En 2002, luego de sufrir una fuerte pulmonía, Peña dio a conocer que era portador de VIH y que debía ingerir constantemente los cócteles recetados por los médicos para combatir ese mal.

Inmediatamente pasó al teatro donde realizó varias y polémicas obras por su crudeza y su humor fuerte como “Esquizopeña, Intimidad Rioplatense” (2001); “Esquizopeña, el Musical” (2003); “Mugre” (2004), “La burlona tragedia del corpiño” (2005), “Ni la más puta”, Sit Down Tragedy”, “Gracias por volar conmigo” (2006), casi todos escritos por él.

También sorprendió con la obra “My name is albert with an A” en donde interpretaba a un asesino serial, y con “El niño muerto” en el Paseo La Plaza, una pieza con fuerte contenido autobiográfico.

En el 2008 estrenó “Diálogo de una prostituta con su cliente”, escrito por Dacia Maraini, que fue lo último que hizo sobre las tablas.

En TV, su primera aparición fue en la miniserie “Sol negro” interpretando al loco René, cuando ese unitario se emitió por América.

También participó en un capítulo de la miniserie “Epitafios” y fue hacedor del programa “La Isla flotante” transmitido por Canal 7 en 2006 y que en 13 programas presentó a la mayoría de sus personajes.

Este año le dio vida por dos capítulos a Fernando, el ex novio de Charly (Diego Reinhold) en “Los exitosos Pells” que emite Telefé.

Su prolífica actividad hizo que en 2007 escribiera el libro “Gracias por volar conmigo”, que incluye un cd de audio con anécdotas contadas por Peña y que fue un suceso de ventas.

Talentoso con todas las letras y provocador por elección propia partió de gira. Su show continuará en las tablas del cielo... o del infierno, donde sea que Fernando elija ir.

Crónica

Fernando Peña.Te vamos a extrañar.

2009-06-18T13:44:00.001-07:00

Fernando Gabriel González Peña (Montevideo, Uruguay, 31 de enero de 1963 - Buenos Aires, Argentina, 17 de junio de 2009) fue un actor de teatro, cine y televisión, además de conductor de radio uruguayo nacionalizado argentino, residente en Buenos Aires desde pequeño.

Hijo de "Pepe" Peña, comentarista de fútbol, y de María José "Malena" Mendizábal. Su hermano menor, músico, reside en Estados Unidos.

Asumido homosexual, Peña afirmó padecer VIH y haber estado cerca de la muerte. Tuvo un linfoma en el riñón y se sometió a quimioterapia. Falleció el miércoles 17 de junio de 2009, a causa de un cáncer de hígado.

Los inicios de sus trabajos
Antes de llegar a ser actor, Peña tuvo muchos empleos: profesor de inglés y comisario de a bordo, puesto desde donde pudo llegar a la fama. El fallecido actor hacía, durante los viajes, voces de una anciana que decía incoherencias por el altavoz del avión para entretener a los pasajeros; así surgió el personaje Milagros López, que tenía su propio programa de radio en AM. Al periodista Lalo Mir, quien viajaba con frecuencia en esa aerolínea, le encantó el personaje sin saber que era un hombre. Después de un tiempo de escucharla quiso conocerla y ahí vio que era Fernando Peña y lo llevó consigo a trabajar en la radio.

Radio
En 1998, condujo "Graffiti", de lunes a viernes en la radio Energy 101.1, a través de su personaje Dick Alfredo, un locutor mexicano bisexual e hiperactivo. Consistía en entrevistas, noticias, y llamados telefónicos en donde los oyentes dejaban un graffiti en determinado lugar y para determinada persona (siempre apelando a la imaginación y al "hacer de cuenta"). Con estos mensajes se confeccionaba, cada viernes, un TOP 10 de graffitis. Un año despues, el programa cambió de horario, pasó a la medianoche, dando un vuelco en el estilo.

Dio gran salto en radio, con todos sus personajes, en "El parquímetro", que en principio se emitía de lunes a viernes de 10 a 14 por la Metro 95.1 FM. Pero debió cancelarlo por presión del Comfer (Comité Federal de Radiodifusión).[cita requerida]

En 2002, volvió con "Cucuruchos en la frente", en la Rock & Pop 95.9 FM, que se emitió de lunes a viernes de 21 a 0. En 2004, luego de un año sin aire, pasó a KSK 101.9 FM y nombró a su programa "El Parkímetro". En 2008, estuvo en la tercera temporada del regreso del "Parquímetro", regresó a Metro 95.1. en el horario de 7 a 10.

Peña prefería llamar a su audiencia escuchadores y no oyentes, porque el oyente es pasivo, en cambio el escuchador participa en forma activa al opinar y dejar mensajes originales.

El 30 de marzo de 2009, "El Parquímetro" cumplió 10 años en el aire (teniendose en cuenta los ciclos del los programas "Cucuruchos en la frente" y "El Parkímetro").

Teatro
Realizó entre otras obras:

"Esquizopeña, Intimidad Rioplatense" (en el 2001)
"Esquizopeña, el Musical" (en el 2003)
"Mugre" (en el año 2004)[2]
"La burlona tragedia del corpiño" (años 2004 y 2005)
"Ni la más puta + Sit Down Tragedy"
"Sit Down Tragedy"
"La Oscuridad es música"
"Gracias por volar conmigo"
"Diálogo de una prostituta con su cliente" (de Dacia Maraini)

Televisión
2003: Participación en la miniserie "Sol negro" transmitida en el canal América (interpretando el personaje "René").
2004: Participación en un episodio de la miniserie de 13 capítulos transmitida por Latinoamérica HBO "Epitafios" (interpretando el personaje "Carlos").
2006: Programa "La ísla flotante" transmitido por Canal 7, un ciclo de 13 programas donde presentó a la mayoría de sus personajes.
2007: Programa "El otro" programa de entrevistas transmitido por Canal (á) que duró 8 programas.
2008: Fue invitado a participar del programa de juegos "El Muro Infernal", en esos capítulos, se disputo el amor de Leandro (el bañero) con la otra competidora.
2009: Programa "Los Exitosos Pells" comedia transmitida por Telefé, en la que participa como "Fernando" el ex-novio de Charly durante 2 capítulos.

Personajes
Sus programas de radio (en ocasiones, también en las obras de teatro y hasta en algunos de sus programas de TV) se caracterizaban por la presencia de varias de sus más de veinte personajes (o "criaturas" como Fernando prefería llamarlas), en las que ponía su voz. Eran personajes creados por él. Estas criaturas dialogaban entre sí, cada una con su visión del mundo. De todas, destacan:

Bubba
Cristina Patricia Megahertz (La Mega)
Delia Dora Fernández de Fernández
Ricardo Alfredo Ñuñoa Cruz (Dick Alfredo)
Elisa Rufino
Johnatan Bermúdez
María Elena Rinaldi
Mario Modesto Sabino
Martín Revoira Lynch
Milagros Dolores Guadalupe López López
Monseñor Lago
Osvaldo Jeringa
Pepe (el obituarista)
Rafael Orestes Porelorti
Roberto María Flores
Rubén Ramón Sixto Alegre (Palito)
Sepulturero

Muerte
Peña falleció el 17 de junio de 2009 a consecuencia de un cáncer de hígado, complicaciones que se vieron agravadas debido al VIH que padecía desde hacía ocho años.

Cine
2006: Participación como actor en la película "Pura Sangre" (interpretando el personaje "Fran").

Literatura
2007: Escribió "Gracias por volar conmigo" (el libro incluye un cd con anécdotas contadas por el autor).
Fuente Wikipedia

Julio Sosa. Imágenes para el recuerdo.

2009-01-23T10:06:00.000-08:00

Julio Sosa. Rencor.

2009-01-23T10:05:00.000-08:00

Lamentablemente, los mejores videos y en vivo no se permiten aportar.

"Nunca Tuvo Novio" y "Quién hubiera dicho" Julio Sosa

2009-01-23T10:02:00.000-08:00

Tarde - Julio Sosa

2009-01-23T09:59:00.000-08:00

Julio Sosa. Un tangazo NADA

2009-01-23T09:58:00.001-08:00

Julio Sosa. Video testimonial

2009-01-23T09:56:00.000-08:00

Julio Sosa-Cambalache

2009-01-23T09:54:00.000-08:00

Julio Sosa.LA VOZ-.La Cumparsita

2009-01-23T09:51:00.000-08:00

Julio Sosa. Su trágica muerte

2009-01-23T09:47:00.000-08:00

Sosa tenía una pasión por los autos, y había tenido varios accidentes de tránsito por conducir a desmedida velocidad. Como consecuencia, falleció a los 38 años, a las 9:30 horas del 26 de noviembre de 1964, en un accidente automovilístico ocurrido en la Avenida Figueroa Alcorta de la ciudad de Buenos Aires.

Sus restos fueron velados en el Salón Argentina pero la multitudinaria concurrencia obligó a trasladar los cortejos fúnebres al Luna Park. Hoy sus restos están en el cementerio de Las Piedras, Canelones Uruguay.

Julio Sosa. Biografía breve.

2009-01-23T09:27:00.000-08:00

Julio María Sosa Venturini más conocido como Julio Sosa y apodado El Varón del Tango (Las Piedras, Canelones, Uruguay, 2 de febrero de 1926, - Buenos Aires, Argentina, 26 de noviembre de 1964) fue un cantante de tango que alcanzó la fama en Buenos Aires en las décadas de 1950 y 1960.
Nació en el seno de una familia humilde, hijo de Luciano Sosa, peón de campo, y Ana María Venturini, lavandera. En su juventud, a causa de la pobreza, ejerció varios empleos (popularmente conocidos como "changas").[1]

En 1942 se casó, con tan sólo 16 años, con Aída Acosta, de quien se separó dos años más tarde, en 1944. Sus comienzos profesionales fueron como vocalista en la orquesta de Carlos Gilardoni en la ciudad de La Paz. Se fue a Buenos Aires en 1949. Llegó a triunfar en el Río de la Plata, siendo considerado uno de los cantores de tango más importantes de la segunda mitad del siglo XX.

Fue bautizado por el periodista Ricardo Gaspari como el Varón del Tango, llamándose así también su primer disco de larga duración. Leopoldo Federico hizo que el cantor se volviera famoso a través de sus composiciones.

En 1958 se casó con Nora Edith Ulfred, divorciándose poco después y poniéndose en pareja con Susana "Beba" Merighi. En el año 1960 escribió su único libro, Dos horas antes del alba.
Algunos de sus tangos más populares
Justo el 31 (1953)
Bien bohemio (1953)
Mala suerte (1953)
¡Quién hubiera dicho! (1955)
Abuelito (1955)
Padrino Pelao (1955)
Cambalache (1955)
Seis Años (1960)
La Cumparsita (porque canto así) (1961)
Rencor (1961)
María (1962)
Tarde (1962)
En esta tarde gris (1963)
Nada (1963)
Nunca tuvo novio (1963)
Qué me van a hablar de amor (1963)
Guapo y varón (1964)
El firulete (1964)
La gayola (1964)

Bob Marley - No Woman No Cry y Wallpapers para el recuerdo.

2008-10-11T14:30:00.000-07:00

Funeral del Rey Bob Marley

2008-10-11T14:25:00.000-07:00

Bob Marley - Forever Loving Jah

2008-10-11T14:22:00.000-07:00

Bob Marley - Africa Unite

2008-10-11T14:21:00.001-07:00

Bob Marley - Redemption Song Live In Dortmund, Germany

2008-10-11T14:18:00.000-07:00

Bob Marley - Stir it up

2008-10-11T14:16:00.001-07:00

Bob Marley & The Wailers 'Could You Be Loved'

2008-10-11T14:14:00.001-07:00

Bob Marley después de su muerte

2008-10-11T14:12:00.000-07:00

Polémica

En 2005, Rita Anderson, viuda de Marley, escribió una biografía en la que criticó durísimamente al que fue su esposo. En No Woman, No Cry, como se titula el libro. Según Rita, la pareja vivía en una choza, Bob sólo tenía un par de calzoncillos, que ella lavaba cada noche. También afirma que la estrella del reggae se marchó a una mansión en Kingston, donde vivía con varias amantes (una de ellas llegó a convertirse en Miss Mundo) e incluso asegura que llegó a criar a algunos de los hijos que Bob tuvo con esas mujeres.

Y es que la lista de descendientes de Bob es inmensa: en 1968 tuvo un hijo llamado Ziggy Marley con Rita Anderson, en 1970, tuvo un hijo llamado Robbie con Lucille Williams, una de sus novias en Trench Town. Janet Hunt, concebió a Rohan Marley (futuro marido de Lauryn Hill). Sus constantes viajes a Londres no fueron en vano, ya que nació Karen Marley, hija de una inglesa llamada Janet Bowen. Una jamaiquina nacida en Barbados, Lucy Pounder, tuvo con Bob a Julian Marley.

Otra de sus novias, la campeona caribeña de ping pong Anita Bellnavis, se convirtió en la madre de Kymani Marley. En 1975, Cindy Breakspeare, que estaba a punto de convertirse en Miss Mundo, dio a luz a Damian Marley. Otra de las novias era la actriz Esther Anderson, quien ya había tenido romances con Marlon Brando y Chris Blackwell.

Todas estas afirmaciones no sentaron nada bien al gobierno jamaicano, más aún cuando se enteraron de que Anderson anunció que pretendía exhumar los restos de su marido para enterrarlos en Shashemene, Etiopía, donde el emperador Haile Selassie cedió unas tierras a un grupo de rastafaris jamaicanos que residen en esa localidad. La relación entre el gobierno jamaicano y Anderson era crítica, ya que consideran a Bob un ídolo y una fuerte atracción turística para los extranjeros. No hay que olvidar que la casa-museo de Bob es el principal reclamo de los extranjeros que llegan durante todo el año a la isla caribeña. Lejos de apaciguar los ánimos, Anderson recordó al gobierno de su país que, en Jamaica, Bob fue disparado en su casa y sufrió el exilio."Bob hubiera preferido reposar en el continente africano más que en una isla donde sus antecesores fueron llevados como esclavos" llegó a decir la viuda de Bob.

Discografía
Álbumes de estudio [editar]Album Banda Año Discográfica
The Wailing Wailers The Wailers 1966 Studio One
Soul Rebels The Wailers 1970 Upsetter/Trojan
Soul Revolution The Wailers 1971 Upsetter/Trojan
Soul Revolution Part II The Wailers 1971 Upsetter/Trojan
Best of the Wailers The Wailers 1972 Beverley's
African Herbsman The Wailers 1973 Upsetter/Trojan
Catch a Fire The Wailers 1973 Island/Tuff Gong
Burnin' The Wailers 1973 Island/Tuff Gong
Rasta Revolution Bob Marley & The Wailers 1974 Upsetter/Trojan
Natty Dread Bob Marley & The Wailers 1974 Island/Tuff Gong
Rastaman Vibration Bob Marley & The Wailers 1976 Island/Tuff Gong
Exodus Bob Marley & The Wailers 1977 Island/Tuff Gong
Kaya Bob Marley & The Wailers 1978 Island/Tuff Gong
Survival Bob Marley & The Wailers 1979 Island/Tuff Gong
Uprising Bob Marley & The Wailers 1980 Island/Tuff Gong
Confrontation (álbum póstumo) Bob Marley & The Wailers 1983 Island/Tuff Gong

Discos en directo
Bob Marley in Saint Steven 1973 Luisbiel records //Live at the Lyceum (London 1975)Tuff Gong/island record //Babylon by bus (1978)Tuff Gong/island records

Álbum Año Discográfica

Interviews 1981 Island/Tuff Gong
Legend 1984 Island/Tuff Gong
Rebel Music 1986 Island/Tuff Gong
Songs of Freedom 1992 Island/Tuff Gong
Natural Mystic: The Legend Lives On 1995 Island/Tuff Gong
Bob Marley: Reggae Legend 1999 St. Clair
One Love: The Very Best of Bob Marley & The Wailers 2001 Island/Tuff Gong
Bob Marley and The Wailers: Trenchtown Rock (Anthology '69 - '78) 2002 Trojan Records
Gold 2005 Island/Tuff Gong
Africa Unite: The Singles Collection 2005 Island/Tuff Gong
"Bob Marley and The Wailers. Universal Clasic" 2004 Universal

Bob Marley.Últimos años y muerte

2008-10-11T14:10:00.000-07:00

Al acabar la gira europea Bob Marley y la banda partieron para los Estados Unidos. Bob hizo dos conciertos en el Madison Square Garden, pero cayó gravemente enfermo. Tres años antes, en Londres, se había herido el dedo del pie jugando al fútbol. La herida se volvió cancerígena y, a pesar de haber sido tratado en Miami, continuó reproduciéndose. En 1980, el cáncer comenzó a propagarse por el cuerpo de Bob. Controló la enfermedad durante ocho meses, siguiendo tratamiento en la clínica del Dr. Joseph Issels, en Baviera. El tratamiento de Issels levantó mucha polémica porque sólo usaba remedios naturales y no tóxicos y, por algún tiempo, pareció funcionar en Bob. A comienzos de mayo dejó Alemania para volver a Jamaica, pero no completó su viaje.

Bob Marley murió en un hospital de Miami el 11 de mayo de 1981. Un mes antes, Bob había sido condecorado con la Orden del Mérito de Jamaica, la tercera mayor honra de la nación, en reconocimiento de su inestimable contribución a la cultura del país. El 21 de mayo de 1981, el Honorable Robert Nesta Marley O. M. recibía un funeral oficial del pueblo de Jamaica. Después del funeral (al que asistió tanto el Primer Ministro como el líder de la oposición) el cuerpo de Bob fue llevado a su tierra natal, Nine Miles, en el norte de la isla, donde ahora descansa en un mausoleo. Bob Marley murió a los 36 años.

Bob Marley.Biografía

2008-09-21T13:52:00.001-07:00

Robert Nesta Marley (n. Nine Miles, Saint Ann Parish, Jamaica, 6 de febrero de 1945 - m. Miami, 11 de mayo de 1981), mejor conocido como Bob Marley, fue un músico jamaiquino y miembro del movimiento Rastafari en la cual su fe fue una parte importante de su carrera. Es considerado como un profeta Rastafari.

Robert Nesta Marley nació en Nine Miles (Rhoden Hall, Saint Ann) una pequeña localidad al norte de la isla de Jamaica, en el Mar Caribe, era hijo de Cedella Booker, jamaiquina de 18 años y de Norval Marley, capitán del ejército británico, de 50 años, que se desentendió de su hijo, por miedo a ser desheredado. A finales de los años cincuenta, Bob se trasladó con su madre a Kingston, la capital, la cual era la ciudad donde los habitantes de las zonas rurales acudían para mejorar su situación económica. Por desgracia para la mayoría, su destino eran los barrios pobres.

Bob creció en ese ambiente donde conoció a un amigo llamado Neville O’Riley Livingston, más conocido como Bunny, con quien comenzó a interesarse por la música, llegando a componer y tocar algunas canciones. Muy influenciados ambos por las emisoras del sur de los Estados Unidos que conseguían captar con sus radios en las cuales escuchaban canciones de artistas como Ray Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton o Fats Domino, y también grupos como The Drifters muy populares en Jamaica. Entonces, Bob alternó el trabajo con la música, ya que consiguió un empleo en una empresa de fundición donde se quemó en un ojo mientras trabajaba. Tanto Bob como Bunny recibieron la ayuda musical de Joe Higgs, un cantante que gozó de cierta fama en Jamaica, aunque ya venido a menos, se ganaba la vida impartiendo clases de canto para principiantes. En una de esas clases Bob y Bunny conocieron a otro joven músico llamado Winston Hubert McIntosh (Peter Tosh). En 1962 Bob Marley participó en una audición para un productor musical llamado Leslie Kong que, impresionado, lo invitó a un estudio para grabar algunas canciones. Al año siguiente Bob decidió que el mejor camino para alcanzar su sueño era mediante un grupo. Compartió su idea con Bunny y Peter y los tres formaron los "Wailing Wailers". El nuevo grupo ganó la simpatía del percusionista rastafari Alvin Patterson, que los presento al productor Clement Dodd. A mediados de 1963 Dodd vio a los Wailing Wailers y decidió promocionar al grupo. Los Wailing Wailers lanzaron su primer single, "Summer Down", con la discográfica Coxsone a finales de 1963. La formación original estaba compuesta por Bob, Bunny, Peter, Junior Braithwaite y dos coristas, Beverly Kelso y Cherry Smith.

Mientras tanto, la madre de Bob, Cedella, se había casado nuevamente y se había mudado a Delaware, Estados Unidos, tras un importante esfuerzo económico. Ella deseaba dar a Bob una nueva vida en este país, pero antes del viaje, él conoció a Rita Anderson y el 10 de febrero de 1966 se casaron. Bob Marley pasó apenas ocho meses con su madre en Wilmington, Delaware. Allí consigue un trabajo en el turno de noche de una planta de automóviles de Chrysler. Bob llegó a Kingston en octubre de 1966, apenas seis meses depués de la visita de Su Majestad Imperial, o Emperador Hailè Selassiè, de Etiopía, que impulsó y renovó el importante movimento rastafari de la isla. El acercamiento de Bob con la creencia Rastafari comienza a reflejarse en su música. Bob, entretanto, llamó a Peter y Bunny para formar una nueva banda, los míticos "The Wailers". Rita también comenzaba su carrera como cantante con un importante éxito llamado "Pied Piper", una versión de una canción pop inglesa. En Jamaica, la frenética ola del ska estaba dando lugar a un ritmo más lento y sensual llamado rocksteady. Las creencias rastafari de los Wailers chocaron con Dodd y éstos fundaron su propio sello discográfico, "Wail’N’Soul". A pesar de conseguir algunos éxitos, el sello no responde a las expectativas y quiebra en 1967. El grupo sobrevive fungiendo como compositores de una compañía asociada a un cantante estadounidense, Johnny Nash, quien en la década siguiente tendría un gran éxito con la canción "Stir It Up", de Bob.

Los Wailers conocieron entonces a un hombre que revolucionaría su trabajo: Lee Perry. La asociación entre Perry y los Wailers trajo consigo algunos de los éxitos más notables de la banda como "Soul Rebel", "Duppy Conqueror", "400 Years" y "Small Axe", clásicos del futuro reggae. En 1970, dos de los músicos más reconocidos de la isla, Aston 'Family Man' Barrett y su hermano Carlton (bajo y batería, respectivamente) se unirán a los Wailers, quienes por aquel entonces arrasaban en el Caribe, pero internacionalmente continuaban siendo desconocidos.

En el verano de 1971 Bob aceptó una invitación de Johnny Nash para acompañarlo a Suecia, ocasión en que firmó un contrato con la CBS, que también era la discográfica del estadounidense. En la primavera de 1972 los Wailers aterrizaron en Inglaterra para promocionar el single "Reggae on Broadway", pero no cosecharon demasiados éxitos. A la desesperada, Bob visitó los estudios de grabación de Island Records, que había sido la primera discográfica en interesarse por la música jamaicana, y pidió hablar con su fundador, Chris Blackwell. Blackwell conocía a los Wailers y les ofreció 4 mil libras para grabar un álbum con los últimos avances tecnológicos de la industria musical, los mismos que gozaban las bandas de rock de la época. Ese primer álbum fue "Catch A Fire", fuertemente promovido por Island. El disco no fue un éxito inminente, y es que la música y las letras comprometidas socialmente de Bob contrastaban bastante con lo que se estaba haciendo hasta entonces en Europa. Island promovió una gira del grupo por Inglaterra y los Estados Unidos, otra novedad para una banda de reggae. Los Wailers tocaron en Londres en abril de 1973 y tres meses más tarde el grupo volvió a Jamaica. Bunny, desengañado de la vida musical, abandonó la banda antes de la gira estadounidense. En su lugar entró Joe Higgs, el viejo profesor de música de los Wailers. Ya en los Estados Unidos, participaron en algunos conciertos de Bruce Springsteen y Sly & The Family Stone, la principal banda de música negra estadounidense del momento.

En 1973 el grupo lanzó su segundo álbum con el sello Island, "Burnin’", un disco que incluía nuevas versiones de algunas de sus canciones más importantes, como: "Duppy Conqueror", "Small Axe" y "Put It On", junto con "Get Up, Stand Up" y "I Shot The Sheriff". Fue justamente este último tema el que consagró internacionalmente a Bob Marley de la mano de la voz de Eric Clapton, alcanzando el primer lugar en la lista de los singles más vendidos en los Estados Unidos. En 1974, Bob Marley pasó gran parte de su tiempo en el estudio trabajando en "Natty Dread", un álbum que incluía canciones como "Talkin’ Blues", "No Woman No Cry", "So Jah Seh", "Revolution", "Them Belly Full (But We Hungry)" o "Rebel Music (3 o’clock Roadblock)". Al año siguiente, Bunny y Peter dejarían definitivamente el grupo para embarcarse en sus carreras en solitario, lo que provocó que la banda comenzase a ser conocida como Bob Marley & The Wailers. "Natty Dread" fue lanzado en febrero de 1975. En cuanto a las giras, destacan dos: una en el Lyceum Ballroom de Londres, que fue catalogada como una de las mejores de la década. Y la segunda en noviembre, cuando Bob volvió a Jamaica para tocar en un concierto benéfico con Stevie Wonder, ya como superestrella en su país y en el mundo. "Rastaman Vibrations", el siguiente álbum de estudio, fue lanzado en 1976. El trabajo incluía canciones como "Crazy Baldhead", "Johnny Was", "Who The Cap Fit" y, tal vez la más significativa de todas, "War", cuya letra fue extraída de un discurso del Emperador Hailè Selassiè, en las Naciones Unidas.

Bob Marley era entonces un activista no-político en Jamaica, un músico ya consagrado y un auténtico propulsor de la fe rastafari. Bob Marley decidió dar un concierto gratuito en el Parque de los Héroes Nacionales de Kingston, el 5 de diciembre de 1976 cuyo propósito era promover la paz, ya que los gangsters se estaban haciendo con las calles. Después del anuncio del concierto, el gobierno convocó elecciones para el día 20 de diciembre. El 3 de diciembre de 1976, dos días antes de “Smile Jamaica”, Bob, su esposa Rita, Lewis Griffith y el manager Don Taylor fueron heridos en un atentado por pistoleros desconocidos, aunque se baraja la posibilidad de que estuviese la CIA involucrada, dentro de su casa en 56 Hope Road, Jamaica. Bob fue herido por disparos de arma de fuego en el pecho (muy cerca del corazon) y un brazo, su esposa Rita en la cabeza, Lewis Griffith en el estomago y el manager Don Taylor también fue hospitalizado por cruzarse en la línea de fuego. Afortunadamente después de un tiempo se recuperaron por completo. Dos días después del atentado, Bob se montó en la tarima y cantó. Cuando le preguntaron el porqué, el dijo: “La gente que está tratando de hacer este mundo peor no se toma ni un día libre, ¿cómo podría tomarlo yo? Ilumina la oscuridad.” Fue la última presentación de Bob en Jamaica durante los próximos 18 meses. Temiendo otro atentado, dejó el país para irse a vivir a Londres, donde grabó su siguiente álbum, "Exodus", uno de los más importantes de su carrera y del reggae.

Bob Marley tiene su propia estrella en Paseo de la Fama de Hollywood.Lanzado en el verano de aquel año, "Exodus" consolidó el status internacional de la banda, permaneciendo en las listas de Inglaterra durante 56 semanas seguidas y teniendo los tres singles - "Waiting In Vain", "Exodus" y "Jamming’" - como grandes éxitos mediáticos. En 1978 la banda consiguió un nuevo éxito con "Kaya", que alcanzó el cuarto lugar en Inglaterra a la semana siguiente a su lanzamiento. Del álbum fueron extraídos dos singles: "Satisfy My Soul" e "Is This Love?". En abril de 1978 volvió a Jamaica para el "One Love Peace Concert", cuando consiguió que el Primer Ministro Michael Manley y el líder de la oposición Edward Seaga se diesen la mano en el escenario. Fue entonces invitado para ir a la sede de las Naciones Unidas, en Nueva York, para recibir la Medalla de la Paz. Y, a finales de año, Bob viajó a África por primera vez, visitando inicialmente Kenia y después Etiopía, hogar espiritual rastafari. La banda había terminado recientemente una gira por Europa y los Estados Unidos, de donde se sacó material para el segundo álbum en vivo: "Babylon By Bus". "Survival", el noveno álbum de Bob Marley con Island fue lanzado en el verano de 1979. Incluía "Zimbabwe", un himno para Rodesia, que luego sería liberada, junto con "So Much Trouble In The World", "Ambush In The Night" y "Africa Unite". Como indica la portada, que contiene las banderas de las naciones independientes, "Survival" fue un álbum en homenaje a la causa Panafricana. En abril de 1980, el grupo fue invitado oficialmente por el gobierno del recientemente libertado Zimbabwe para tocar en la ceremonia de independencia de la nueva nación.

El siguiente disco de la banda, "Uprising", fue lanzado en mayo de 1980 y tuvo un éxito inmediato con "Could You Be Loved?". El álbum también traía "Coming In From The Cold", "Work" y la famosa "Redemption Song". Los Wailers entretanto se embarcaban en su mayor gira europea, rompiendo records de asistencia en un concierto. La agenda incluía un concierto para 100.000 personas en Milán, el mayor de la historia de la banda. Bob Marley & The Wailers eran la mayor banda en gira de aquel año y "Uprising" estaba en todas las listas de Europa. Era un período de máximo optimismo y estaban haciendo planes para una gira en los Estados Unidos en compañía de Stevie Wonder al final del año.

Alberto Olmedo.Fotos para el recuerdo

2008-09-03T14:27:00.000-07:00

Alberto Olmedo.Su Muerte

2008-09-03T14:24:00.001-07:00

Alberto Olmedo y Jorge Porcel.Los Colimbas se divierten

2008-09-03T14:21:00.000-07:00

Alberto Olmedo-Borges y Alvarez

2008-09-03T14:16:00.000-07:00

Alberto Olmedo.Borges y Alvarez - Escabio de Fin de Año

2008-09-03T14:14:00.000-07:00

Alberto Olmedo - El plomo

2008-09-03T14:13:00.000-07:00

Alberto Olmedo-El manosanta

2008-09-03T14:12:00.001-07:00

Alberto Olmedo. Testimonios de vida

2008-09-03T14:10:00.000-07:00

Alberto Olmedo.Su trágica Muerte y filmografía

2008-09-03T14:04:00.000-07:00

Falleció el 5 de marzo de 1988 en la localidad de Mar del Plata (en la provincia de Buenos Aires), tras caer involuntariamente del balcón de su departamento en el piso 11º, luego de una noche de juerga y excesos. Su compañera Nancy Herrera fue testigo de la desgraciada maniobra.

Su deceso prematuro provocó una profunda tristeza entre sus seguidores. Luego de su muerte, comenzó a ser considerado un humorista de culto, y se celebran homenajes en su Rosario natal y en el resto del país.

En Rosario, donde nació y pasó sus primeros años de vida, es homenajeado con una escultura de bronce. La misma (ver foto) es visitada por gran cantidad de turistas que no pueden evitar dejar de fotografiarse frente a la escultura del actor.

En Buenos Aires, una columna baja de ladrillo, en la Avenida Corrientes 1753, obra de José Martínez, tiene en su parte superior las huellas dejadas en cemento de las manos del actor y una placa debajo que dice:

¿Que quiero que quede de mí? Una estatua a mis manos en la calle Corrientes para que miren y digan: "Chau negro". Nada más.

Alberto Olmedo
En Mar del Plata, a metros del edificio del fatal accidente, existe un monumento que lo recuerda, fiel retrato realizado por la escultora Elizabeth Eichhorn, paseo obligado de los turistas que se reencuentran para fotografiarse junto a su sonrisa y su actitud característica.

Hacedor de frases
En muchos programas y en la vida real, Alberto utilizó muchas frases y citas, que a través del tiempo, se hicieron muy conocidas, y que incluso empezaron a formar parte de la jerga de Argentina:

Y, ¡si no me tienen fé!
¡De acaaaaaaa!
¡Éramos tannn pobres!
¡No toca botón!
¿Me trajiste a la nena?

El Gen Argentino

En 2007, en el marco del programa El Gen Argentino, en el que el público vota libremente para elegir al argentino más destacado de la historia, Alberto Olmedo resultó elegido finalista, entre los cinco argentinos más destacados de toda la historia junto a José de San Martín, Ernesto Che Guevara, René Favaloro y Juan Manuel Fangio.

Curiosidades
El músico Fito Paez le dedicó una sentida canción, el Tema de Piluso.

Fue un reconocido hincha del Club Atlético Rosario Central. En el sitio YouTube se puede ver un video de Olmedo festejando en su programa el campeonato de Primera división obtenido por Central en la temporada 1986/1987.

Filmografía
Desde sus inicios hasta 1970 [editar]Gringalet (1959).
Una jaula no tiene secretos (1962)
Barcos de papel (1963)
Las aventuras del Capitán Piluso (1963)
La herencia (1964)
Ritmo nuevo, vieja ola (1964)
Dos quijotes sobre ruedas (1964)
Viaje de una noche de verano (1965)
Hotel alojamiento (1966)
El glotón (inconclusa, 1967)
Escándalo en la familia (1967)
Flor de piolas (1967)
Villa Cariño está que arde (1968)
Los debutantes en el amor (1969)
El hombre del año (1970)

De 1973 a 1980
Los caballeros de la cama redonda (1973)
Los doctores las prefieren desnudas (1973)
Hay que romper la rutina (1974)
Mi novia el... (1975)
Maridos en vacaciones (1975)
Los hombres sólo piensan en eso (1976)
Basta de mujeres (1977)
Las turistas quieren guerra (1977)
Fotógrafo de señoras (1978)
Mi mujer no es mi señora (1978)
Encuentros muy cercanos con señoras de cualquier tipo (1978)
Custodio de señoras (1979)
Expertos en pinchazos (1979)
El rey de los exhortos (1979)
Departamento compartido (1980)
Así no hay cama que aguante (1980)
A los cirujanos se les va la mano (1980)

De 1981 a 1988
Las mujeres son cosa de guapos (1981)
Amante para dos (1981)
Los fierecillos indomables (1982)
Los fierecillos se divierten (1983)
Los extraterrestres (1983)
Los reyes del sablazo (1984)
Sálvese quien pueda (1984)
Mirame la palomita (1985)
Los colimbas se divierten (1986)
Los colimbas al ataque (1987)
Rambito y Rambón, primera misión (1987)
Susana quiere, el Negro también! (1987)
El Manosanta está cargado (1987)
Galería del terror (1987)
Atracción peculiar (1988)

Programas de televisión de Alberto Olmedo
El Capitan Piluso
Operación Ja Ja / La Peluquería de Fidel
Fresco y Batata
El Botón
Alberto y Susana
El Chupete
No Toca Botón (1981-1987)
Un Verano Con Olmedo
El Test De Las Familias
Olmedo 78
Olmedo 79
Las 36 Horas De Olmedo

Alberto Olmedo.Biografía

2008-09-03T13:58:00.000-07:00

Alberto Negro Olmedo (Rosario, 24 de agosto de 1933 – † Mar del Plata, 5 de marzo de 1988) fue un actor y humorista Argentino.

Nació en el humilde barrio Pichincha de Rosario, antiguamente la "zona roja" de la ciudad, con prostíbulos y bares de mala muerte. Vivió con su madre, Matilde Olmedo, en la calle Tucumán 2765. A los seis años, además de concurrir a la Escuela n.º 78 Juan F. Seguí, trabajó en la verdulería y carnicería de José Becaccece, en la calle Salta 3111.

En 1947, por intermedio de Salvador Chita Naón se integra a la claque del teatro La Comedia. Al año siguiente, con su amigo Osvaldo Martínez se incorpora al Primer Conjunto de Gimnasia Plástica en el Club Atlético Newell's Old Boys de Rosario. Por esa época también participa en una agrupación artística vocacional que funciona en el Centro Asturiano: La Troupe Juvenil Asturiana. En 1951, como parte de los números de La Troupe, forma (junto a Antonio Ruiz Viñas) el dúo Toño-Olmedo. Ya profesionales, la pareja actúa en varios espectáculos, entre ellos Gitanerías, dirigido por Juanito Belmonte. Para fin de 1954 decide viajar a Buenos Aires para probar suerte.

En mayo de 1955, ingresa como switcher al Canal 7 Argentina, en la ciudad de Buenos Aires, distante 300 Km al sur de Rosario, por la referencia de su amigo Pancho Guerrero. En la cena de fin de año en la que se reúnen las autoridades y el personal del canal, Olmedo realiza una formidable improvisación y Julio Bringuer Ayala, interventor de la emisora, le ofrece trabajar como actor. Una semana después de la cena debuta en La Troupe de TV, programa dirigido por Pancho Guerrero, en el que trabajan María Esther Gamas, Noemí Laserre, Tincho Zabala y Rodolfo Crespi, entre otros. Comienza a hacer monólogos y pequeños sketchs en La revista de Jean Cartier, donde surge «El profesor de locutores». Al mismo tiempo participa en Medianoche en Buenos Aires y en Sonrisas y melodías.

En 1957, el productor Julio Moller le ofrece protagonizar un ciclo infantil los sábados al mediodía y nace Joe Bazooka. El programa dura tres años, pero Olmedo no deja de trabajar como técnico.

El 12 de marzo de 1958 se casa con Judith Jaroslavsky y el 3 de diciembre de 1958 nace su primer hijo, Fernando.

El 20 de agosto de 1959 se estrena la película Gringalet, de Rubén W. Cavallotti, en la que debuta como actor cinematográfico interpretando un papel secundario.

Olmedo, Guy Williams y CoquitoEn 1960 comienza en Canal 9 El Capitán Piluso, su primer gran éxito, ciclo que dura poco más de tres años en esa emisora. En 1965 el programa se emite durante un año en Canal 7 y a partir de 1967 se presenta dos años en el Canal 2 de La Plata.

El 19 de marzo de 1962 nace Marcelo, su segundo hijo.

A fines de marzo de 1964 ingresa al elenco de Operación ja ja, un programa de Gerardo y Hugo Sofovich en Canal 11. Ese mismo día, debutan Javier Portales y María Rosa Fugazot.

El 26 de julio de 1964 nace su tercer hijo, Mariano. En octubre de 1964 Olmedo se separa de su primera esposa.

En enero de 1965 comienza el programa Un verano con Olmedo, donde vuelve a ser protagonista de un ciclo, con la dirección de Gerardo y Hugo Sofovich.

El 23 de septiembre de 1967 se casa con Tita Russ. El 28 de julio del año siguiente nace Javier, su cuarto hijo.

En Operación jajá nacen los personajes Rucucu y el Yéneral Gonzáles. Al mismo tiempo Olmedo se presenta esporádicamente en otro ciclo de los Sofovich: Vivir es una comedia, también emitido por Canal 11.

Para 1969 participa en El botón, por Canal 9, y además presenta Domingos de teatro porteño, realizando algunas actuaciones especiales en Domingos de mi ciudad.

En enero de 1970 conduce el programa El Test de las familias que se emite por Canal 9. El 14 de enero nace su única hija, Sabrina.

El 3 de diciembre regresa a Canal 11 con Las 36 horas de Olmedo, una emisión a beneficio de la Casa Cuna y del Hospital Argerich, dónde bate el récord de permanencia en cámara.

En 1972 comienzan los ciclos El chupete, con libros de Juan Carlos Mesa y Jorge Basurto, y Fresco y Batata (con referencia al queso fresco y el dulce de batata), junto a Jorge Porcel, ambos en Canal 13. Protagoniza junto a Susana Brunetti la comedia musical Promesas, promesas, en el teatro Odeón.

El 22 de marzo de 1973 se estrena Los caballeros de la cama redonda, la primera de las películas filmadas para el sello Aries, con dirección de Gerardo Sofovich.

En 1974 protagoniza Alberto Vilar, el indomable, con libro de Víctor Sueiro, en Canal 13.

Al año siguinte debuta en el teatro de revistas, en el Teatro Maipo, junto a José Marrone. En el mismo teatro se presenta en su primera revista con Jorge Porcel, dirigida por Gerardo Sofovich.

El 4 de mayo de 1976, en el primer programa del año de El Chupete, se anuncia la «desaparición física» de Olmedo y una semana después, como consecuencia de la broma (con referencia a los asesinatos que estaba cometiendo los militares en el poder), le levantan el ciclo. A raíz de este incidente es «borrado» de la televisión por dos años.

En 1978 vuelve al frente del ciclo Olmedo ’78 por Canal 11.

En 1980 protagoniza junto a Susana Giménez el ciclo Alberto y Susana, junto a Susana Giménez, en el Canal 13, con libros de Hugo Moser, Víctor Sueiro y Humberto Ortiz. El 19 de junio se estrena A los cirujanos se les va la mano, primera película del cuarteto Alberto Olmedo - Susana Giménez, Jorge Porcel, Moria Casán, dirigida por Hugo Sofovich.

Al año siguiente comienza el programa No toca botón en Canal 11. Junto a Porcel, Giménez y Casán presenta La revista de las superestrellas en el Teatro Metropolitan, dirigida por Hugo Sofovich. En julio se separa de Tita Russ.

Para 1982, el mismo equipo se presenta con Seguimos rompiendo las olas en la temporada teatral de Mar del Plata.

En el programa No Toca Botón de 1983, nacen dos personajes exitosos: Lucy y El Nene. En este último Olmedo comienza a hacer sus famosos «chivos» al aire (publicidades dentro de los sketches).

En 1984 nace el personaje «Chiquito Reyes, doble de riesgo», en No toca botón.

Durante la temporada ´85 en Mar del Plata, protagoniza la comedia El bicho tuvo la culpa, dirigida por Hugo Sofovich. Este año comienza el ciclo de No toca botón con la quema del disfraz de Rucucu. Nacen El Dictador de Costa Pobre, El Pitufo, El Psicoanalista y el nuevo Chiquito Reyes, esta vez como un marido cornudo.

En el verano austral de 1986 presenta El bicho tuvo la culpa en Villa Carlos Paz. Este es el año de «El manosanta», «Álvarez y Borges» y «El mucamo Perkins». Comienza la Fiebre Olmedo. En septiembre inicia un ciclo de presentaciones en el restaurante Michelángelo, junto a Javier Portales, Beatriz Salomón, Divina Gloria y Alfonso Pícaro; además del cantante Guillermo Guido y los grupos Botton Tap y Caviar. El 18 de diciembre debuta con la obra El Negro no puede en el teatro Neptuno de Mar del Plata.

Durante el verano austral de 1987, la obra bate el record histórico de asistencia de público a la sala, con 119.877 espectadores. Ese año gana el premio Estrella de Mar. El programa No toca botón pasa a Canal 9 y nace el personaje «Rogelio Roldán, jefe de cadetes».

A comienzos de 1988 protagoniza en Mar del Plata la obra Éramos tan pobres, dirigida por Hugo Sofovich. El 3 de marzo se estrena su película póstuma, Atracción peculiar.

Actuación
Se caracterizó por un humor para adultos, con doble sentido. Mientras actuaba, en ocasiones solía hablar en rosarigasino, cuando no quería que otro de los actores se enterase de algo. Se caracterizó por utilizar el arte de la improvisación y fue un gran transgresor de los códigos televisivos (no seguía los libretos, en medio de sus actuaciones se iba detrás de cámaras, etc.).

Trabajó en cine casi siempre acompañado por Jorge Porcel, Moria Casán, Susana Giménez, y en dos ocasiones con Tato Bores como compañero de film. Actuó en varios programas de televisión de alta audiencia como Operación Ja Ja, donde participaba en el sketch «Fresco y Batata» (junto a Jorge Porcel) y en el sketch «Polémica en el bar» (junto a Fidel Pintos, entre otros), El Chupete y Alberto y Susana (junto a Susana Giménez).

Sus personajes siguen siendo recordados: el Capitán Piluso (personaje para niños, sin humor equívoco), junto a su amigo «Coquito»; el Manosanta (un curandero brasileño, un personaje muy de moda en los años ochenta en Argentina), «El dictador de Costa Pobre» (parodia de un típico general golpista del Tercer mundo), «Chiquito Reyes», «Rogelio Roldán», «Rucucú» y «Álvarez y Borges» (junto a Javier Portales), entre otros.

Andy Gibb. Fotos para el recuerdo

2008-08-22T12:42:00.000-07:00

Andy Gibb - Don't Throw it all Away (Our Love)

2008-08-22T12:39:00.000-07:00

Andy Gibb and Bee Gees - How Can You Mend a Broken Heart

2008-08-22T12:38:00.000-07:00

Bee Gees and Andy Gibb

2008-08-22T12:37:00.001-07:00

Andy Gibb ~Olivia Newton-John -Rest Your Love On Me

2008-08-22T12:31:00.000-07:00

Andy Gibb - I Just Wanna Be Your Everything

2008-08-22T12:29:00.000-07:00

Andy Gibb "Shadow Dancing"

2008-08-22T12:28:00.000-07:00

Andy Gibb & Bee Gees- How Deep is your Love

2008-08-22T12:26:00.000-07:00

Andy Gibb-Decadencia y Muerte

2008-08-22T12:24:00.000-07:00

Decadencia y fin de la carrera Mientras mantenía una relación con Victoria Principal, Andy trabajó en varios proyectos fuera del estudio de grabación. Éstos incluyeron aclamadas actuaciones en el musical de Andrew Lloyd Webber «Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat» en Broadway, «The Pirates of Penzance» de Gilbert & Sullivan en Los Ángeles, y una temporada como co animador del show musical de televisión Solid Gold. Como el uso de las drogas por parte de Andy se fue intensificando, él se había vuelto poco confiable y eventualmente sus esfuerzos eran subestimados. Su romance con Principal además terminó luego de un corto período,pero no antes de grabar y lanzar un dueto con el clásico tema de The Everly Brothers «All I Have To Do Is Dream». Éste sería el último sencillo oficial de Andy, y su última entrada a la lista musical estadounidense, llegando al puesto nº 51. La familia de Andy asegura que Andy nunca se recuperó de su ruptura con Victoria Principal. Andy no tuvo otros romances relevante, a excepción de la patinadora Tai Babilonia y Donna Rice. Su familia lo convenció de buscar tratamiento para su adicción a las drogas; luego de un tiempo en la clínica Betty Ford Clinic a mediados de los 80, Andy realizó pequeñas actuaciones interpretando sus grandes éxitos y sus covers. Además apareció como invitado estelar en varios espectáculos televisivos de comedia, destacándose «Gimme A Break!» y «Punky Brewster». Las apariciones de Andy lo mostraban (aparentemente) recuperado de su adicción. Seguido de una grandiosa y popular gira por Asia, regularmente actuaba en espectáculos en Las Vegas y Lake Tahoe. Además disfrutó de un contrato de dos semanas en el San Francisco's Fairmont Hotel en marzo de 1986. Fue ahí donde fue hecha la mejor grabación de alguna actuación de él en vivo (como un bootleg). Aunque el trabajo de Andy en su nuevo estilo de vida era bien recibido, nunca pudo volver a tener el fenomenal éxito de su época como ídolo adolescente. En 1987 con sus deudas superando con creces sus ingresos monetarios, Andy se vio forzado a declarase en bancarrota. Decidido a revivir su carrera, Andy volvió a trabajar junto con sus hermanos Barry y Maurice. Sus serios de grabaciones demo le asegurarían un contrato con la empresa británica Island Records. Uno de los demos, «Man On Fire», fue lanzado póstumamente en una antología de 1991 del mismo nombre lanzada por Polydor. Otro demo, «Arrow Through The Heart» (aún sin ser lanzado), fue usado en un episodio del programa televisivo Behind the Music de la cadena VH1. Muerte En marzo de 1988, Andy celebró su cumpleaños número 30 en Londres mientras trabajaba en un nuevo álbum. Poco después ingresó al Hospital John Radcliffe en Oxford, quejandose de dolor en el pecho. Murió el 10 de marzo, cinco días después de su cumpleaños. Su muerte por miocarditis (inflamación al corazón), sucedió luego de una larga batalla contra la adicción a la cocaína, la que había debilitado su corazón hasta el punto de morir.

Andy Gibb.Biografia

2008-08-20T14:44:00.000-07:00

Andrew Roy Gibb (5 de marzo de 1958 - 10 de marzo de 1988) conocido bajo su nombre artístico de Andy Gibb, fue un cantante y un ídolo juvenil de la década de los 70. Era el hermano menor de Barry, Robin y Maurice Gibb, conocidos también como los Bee Gees. Nacido bajo el nombre de Andrew Roy Gibb en Manchester, Inglaterra, sus padres fueron Hugh y Barbara Gibb. Su familia se mudó a Australia seis meses después de su nacimiento, estableciéndose en Redcliffe, Queensland cerca de Brisbane. Andy empezó a tocar en clubes turísticos alrededor de la costa española de Ibiza, y luego volvió como un adolescente a su hogar en Isla de Man, Reino Unido, de donde provenía su familia antes de mudarse a Manchester. La idea de su unión a los Bee Gees era a menudo sugerida, pero la gran diferencia de edad entre él y sus hermanos (más de 11 años con Barry y aproximadamente 8 con Robin y Maurice) hizo la idea dificil de concretar. Después de volver a Australia en 1975 para mejorar su vocación de cantante y escritor de canciones, Andrew empezó a grabar una serie de sus propias composiciones, una de las cuales fue lanzada como un sencillo por el sello discográfico ATA, propiedad del artista Col Joye. «Words and Music» llegaría eventualmente al Top 5 de la lista musical de Sydney en 1976. Éste éxito pudo ser la vía por la cual, más tarde en ese mismo año, Andrew recibiera una invitación de Robert Stigwood (quién era al mismo tiempo el mánager de los Bee Gees) para lanzar su carrera internacional firmando por su sello discográfico, RSO Records. Pronto Andy se mudó a Miami Beach, Florida, para empezar a trabajar en canciones con su hermano Barry, y coproduciéndolas con Albhy Galuten y Karl Richardson. Antes de dejar Australia, Andy se había casado con su novia, Kim Reeder. Tuvieron una hija llamada Peta Jaye, nacida el 25 de enero de 1978, pero la pareja ya estaba separada para ese entonces y se divorciaron después de un año. Andy aseguró que sólo había visto a su hija una vez en 1981. Llegada al estrellato En los Estados Unidos, Andy Gibb se convirtió en el primer solista en tener tres sencillos números uno consecutivos en el Billboard Hot 100. En julio de 1977, el tuvo su mayor éxito, «I Just Want to Be Your Everything», una canción escrita por su hermano Barry, justo cuando su primer álbum internacional, Flowing Rivers llegó al Top 20, vendiendo sobre el millón de copias. El segundo sencillo del álbum «(Love Is) Thicker Than Water» rompió a principios de 1978 la explosión comercial causada por las contribuciones de sus hermanos de la BSO de Saturday Night Fever, reemplazando a «Stayin' Alive» en el tope de la lista estadounidense, aunque después sobrepasado por «Night Fever» cuando alcanzó la cima a mediados del verano norteamericano. Continuando con el momento de éxito, Andy empezó a trabajar con el equipo de producción Gibb-Galuten-Richardson en su segundo álbum «Shadow Dancing». El sencillo del mismo nombre del álbum, escrito por los cuatro hermanos Gibb, fue lanzado en los Estados Unidos en abril de 1978, y a mediados de junio llegó al primer puesto, quedándose por siete semanas y recibiendo la categoría de platino. Dos canciones Top Ten, «An Everlasting Love» y «(Our Love) Don't Throw It All Away», un cover de una versión anterior de sus hermanos, fueron extraidos del álbum y lanzados como sencillos, volviéndose otra venta del millon de copias. A pesar de sus impresionantes dotes, las presiones y los excesos de tan rápido éxito comenzaron a consumir a Andy, lo cual lo haría sucumbir ante las drogas y la realidad de una carrera en decadencia. En 1979 actuó, junto con los Bee Gees, ABBA, y Olivia Newton-John (cantando en dúo «Rest Your Love On Me»), en el concierto a beneficiencia «Music for UNICEF Concert» efectuado en la sede de las Naciones Unidas y transmitido a nivel mundial. Andy volvó a los estudios para empezar a grabar su último álbum de estudio, llamado After Dark. En marzo de 1980 el último de los sencillos Top Ten de Andy llegó justo después del lanzamiento del álbum. «Desire», fue grabada para el álbum de los Bee Gees de 1979 Spirits Having Flown, y mostraba la canción original con la voz original Andy como «cantante invitado». Un segundo sencillo, «I Can't Help It», un dueto con su amiga de familia Olivia Newton-John, alcanzó el Top 20. Después de un año fue lanzado el álbum recopilatorio Andy Gibb's Greatest Hits. Los éxitos más grandes de Andy Gibb fueron lanzados a modo de finalización de su contrato con RSO Records, con dos nuevas canciones: «Time Is Time» (#15 en enero de 1981) y «Me (Without You)» (el último tenma en llegar al Top 40), ambas lanzadas como sencillos. «After Dark» y «Will You Still Love Me Tomorrow» no fueron agregadas al álbum, éste ultimo como dueto con PP Arnold, quién había previamente trabajado con Barry Gibb, incluyendo un trabajo al cantar la voz de fondo de la canción «Bury Me Down By The River» del álbum Cucumber Castle.

John Bonham.Fotos para el recuerdo

2008-08-10T11:15:00.000-07:00

John Bonham-Solo de batería

2008-08-10T11:13:00.000-07:00

John Bonham-Moby Dick-testimonios de vida

2008-08-10T11:10:00.000-07:00

John Bonham. Su muerte

2008-08-10T11:09:00.000-07:00

Bonzo murió por aspiración de vómito tras ingerir unos 40 vasos de vodka en menos de doce horas en un día de borrachera. Fallece a los 32 años en la mansion de Jimmy Page en Clewer, Windsor. Después de este suceso se especula sobre un posible sustituto para reemplazar la batería, pero al final todos deciden que Led Zeppelin no podía seguir existiendo sin uno de los miembros.

Los Kits de Bonham 1.Kit Pre Led Zeppelin (?-'68), Ludwig Super Classic Green Sparkle. Bombo 22"x14" Timbal de Piso 16"x16" Timbal 13"x9" Tambor Supraphonic 14"x5" 2.Kit Led Zeppelin ('68/Gira por E.E.U.U), Ludwig Black Diamond Pearl Bombo 24"x14" Timbal de Piso 16"x16" Timbal de Piso 18"x16" Timbal 13"*9" Tambor 20's/30's COB Tube Lug 3.Kit de Representación de la marca Ludwig, Ludwig Thermo Gloss Natural Maple Bombo 26"x14" (Ocasionalmente usaba otro bombo de las mismas dimensiones el cual utilizó para algunos shows del tour por E.E.U.U del '69) Timbal de Piso 18"x16" Timbal de Piso 16"x16" Timbal 14"x12" (Montado en un atril de tambor) Tambor Chrome Supraphonic Snare 14"x6.5" Dos Congas Ludwig 12" Cencerro Ludwig Gold Tone 4.Kit para grabaciones ('70-75'), Ludwig Green Sparkle Bombo 26"x14" Timbal de Piso 16"x16" Timbal de Piso 18"x16" Timbal 14"x10" Tambor Chrome Supraphonic 14"x6.5" Timbal Sinfónico Ludwig 29" Timbal Sinfónico Ludwig 30" 5.The Song Remains The Same Kit ('73-'75), Ludwig Amber Vistalite Bombo 26"x14" Timbal de Piso 16"x16" Timbal de Piso 18"x16" Timbal 14"x10" Tambor Chrome Supraphonic Snare 14"x6.5" Timbal Sinfónico Ludwig 29" Timbal Sinfónico Ludwig 30" 6.Kit Final ('77-'80), Ludwig Stainless Steel Bombo 26"x14" Timbal de Piso 16"x16" Timbal de Piso 18"x16" Timbal 15"x12" Tambor Chrome Supraphonic con Mach Lugs 6.5"x14" Los platillos de Bonham Bonham usó los Giant Beat de Paiste hasta 1972, luego firmó un contrato de representación con la marca y cambio sus antiguos platillos por los de la serie 2002, la cual utilizó por el resto de su carrera. Su set regular consistida de: Sound-edge Hi-Hats 15" Medium Crash 16" Medium Crash 18" Medium Ride 24" Symphonic Gong 38" También tenía un Medium Crash de 18", un Medium Ride de 20" y un Crash/Ride de 22", los cuales usaba en raras ocasiones.

John Bonham...Biografia

2008-08-06T10:07:00.000-07:00

John Henry 'Bonzo' Bonham, fue el baterista de la banda de hard rock Led Zeppelin. Hasta el día de hoy es considerado uno de los mejores bateristas de rock de la historia,[cita requerida] ya que cambió el enfoque que se tenía hacia el instrumento. John creó un estilo con una pegada más dura y con menos adornos, mucho más alejado del jazz y del blues (estilos predominantes en los bateristas de rock/pop de la época), cambiando revolucionariamente el mundo musical, influyendo a todas las generaciones posteriores de baterías de rock, incluyendo al heavy metal. Bonham nació en Redditch, Worcestershire, Inglaterra. Empezó a tocar batería a los 5 años, pero tuvo su primer equipamiento rítmico a la a edad de 14 años. Éste fue un kit Premier del cual no se tienen mayores detalles. En 1964, Bonham formó su primera banda, Terry Webb and the Spiders. También tocó para bandas locales, como The Blue Star Trio and The Senators. Fue en esta época que Bonham decide dedicarse a la música como profesión. Se une a varias bandas poco exitosas, incluyendo la banda de Blues Crawling King Snakes, cuyo cantante era Robert Plant. Durante ese periodo, Bonham se gana la reputación de ser el baterista más ruidoso de toda Inglaterra. En una ocasión le pidieron que se fuera del Birmingham Studio porque tocaba demasiado fuerte como para ser soportado por el dueño quien incluso le dijo que no habría futuro para un baterista como él. 10 años después, el dueño del estudio recibió una nota en la cual se leía "Thanks for the career advice...", siendo acompañada por un disco de oro de Led Zeppelin. Siguió siendo parte, junto a Robert Plant, de bandas poco exitosas hasta que Tim Rose lo invita formalmente a ser el baterista de gira de su banda. Led Zeppelin Cuando Jimmy Page quisó formar una nueva banda tras el quiebre de The Yardbirds, su primera opción como cantante fue Terry Reid, sin embargo Reid estaba trabajando con Mickie Most. Reid sugirió a Robert Plant, quien sugirió a Bonham, y a John Paul Jones. Después de ver a Bonham tocar para Tim Rose en Hampstead, Londres, en Julio de 1968, Page y Peter Grant (representante del grupo) estaban convencidos de que Bonham era el indicado. Durante la primera gira de Led Zeppelin en EE. UU. (diciembre de 1968), Bonham se hizo amigo de Carmine Appice, baterista de Vanilla Fudge, quien le dio a conocer las baterías Ludwig, marca que usó, y con la que firmó un contrato de representación, por el resto de su carrera. Bonham usaba también las baquetas más largas y pesadas del mercado, a las cuales él se refería como "árboles". Su revolucionario estilo está presente en todas las composiciones de Led Zeppelin, pero fueron temas como "Immigrant Song" (Led Zeppelin III), "When the Levee Breaks" (Led Zeppelin IV), "The Ocean" (Houses of the Holy), and "Achilles Last Stand" (Presence) los que marcaron el estilo de la banda. El grupo lo reconoce como el creador de la figura rítmica del riff de "Kashmir" y del riff de "Out On the Tiles". La grabación en estudio de "Misty Mountain Hop" captura perfectamente su excelente dominio sobre las dinámicas. Su trabajo tras "los parches" ha influenciado a casi todo baterista de hard rock/heavy metal. El estilo de Bonham estaba marcado por un "beat" muy rítmico acompañado con mucho "feel", "fills" explosivos y un uso único de figuras rítmicas invertidas, muy seguido ejecutadas entre el bombo y el tambor. Todo esto, combinado con su ataque escarpado, hizo a Bonham inmediatamente reconocible para el auditor. Sus "solos" de batería, primero "Pat's Delight" luego llamado "Moby Dick" y "Over the Top", duraban cerca de media hora y muy seguido tocaba sin baquetas para lograr nuevos efectos sonoros. En los tours de Led Zeppelin que vinieron después de 1969 expandió su kit, incluyendo congas, timbales sinfónicos y gongs sinfónicos. A Bonham también se le da el crédito de usar los primeros timbales sintetizados electrónicamente, los cuales tocó durante la presentación de la canción "Kashmir" en Dallas, Texas, 1977. En 1974, Bonham apareció en el film Son of Dracula, tocando la batería en la Count Downe's (Harry Nilsson) backing band. Éste fue un film hecho por Ringo Starr. Bonham formó parte de una multitudinaria banda de percusión, la cual incluía a Keith Moon y a Starr. Bonham también era coleccionista de automóviles deportivos antiguos y motocicletas, los cuales tenía en la granja de su familia llamada The Old Hyde. Pero Bonzo no solo grabó con Led Zeppelin. Bonham también encontró tiempo para hacer algo de trabajo de sesión para otros artistas. En 1970, Bonham tocó para Lord Sutch en su álbum Lord Sutch and Heavy Friends. También grabó para su amigo Roy Wood, en el álbum Wizzard (1979). Luego vuelve a los escenarios, pero esta vez junto a la banda de Paul McCartney: Paul McCartney's Wings on their Back to the Egg Rockestra Project.

Randy Pausch. Fotos para el recuerdo

2008-08-06T10:02:00.001-07:00

Randy Pausch .Ejemplo de vida- Video subtitulado en español-IMPERDIBLE

2008-08-06T09:59:00.000-07:00

Randy Pausch . Su última conferencia-está en ingles.

2008-08-06T09:58:00.000-07:00

Randy Pausch. Su muerte

2008-08-06T09:55:00.000-07:00

La enfermedad A Pausch se le diagnosticó un cáncer terminal de páncreas. Entonces comenzó su tratamiento el 19 de septiembre de 2006 en un fracasado intento de parar su cáncer de páncreas. En agosto de 2007 le dijeron que le quedarían tres o seis meses de buena salud. Randy pronto volvería con su familia a Virginia. El 13 de marzo de 2008, Pausch abogó por un mejor tratamiento en el cáncer de páncreas ante varias asociaciones americanas. Una semana antes, había sido hospitalizado por tener dificultad a la hora de respirar, debido a un derrame pleural en su pulmón derecho. El 2 de mayo del 2008, un PET scan mostró que tenía una pequeña metástasis en sus pulmones y en algunos nodos linfáticos en su pecho. Además tenía metástasis en la cavidad del peritoneo y retroperitoneo (básicamente, dentro de su abdomen).

Randy Pausch..Biografía

2008-08-05T18:54:00.000-07:00

Randolph Frederick Pausch (nacido el 23 de octubre de 1960, fallecido el 25 de julio de 2008) fue un profesor de informática, interacción hombre-máquina y de diseño en la Universidad Carnegie Mellon (CMU) en Pittsburgh, Pensilvania, Estados Unidos. Además fue un autor con alto número de ventas en sus libros, consiguiendo fama mundial por su trabajo "La Última Ponencia" discurso que dio el 18 de septiembre de 2007 en la Universidad de Carnegie Mellon. En agosto del 2006, a Pausch se le diagnosticó un cáncer de páncreas metastatizado. Él comenzó un tratamiento muy agresivo para el cáncer que incluía cirugía mayor y quimioterapia experimental; sin embargo, en agosto del 2007, le dijeron que el cáncer había metastatizado al hígado y al bazo, lo que significaba que era terminal. Él entonces comenzó una quimioterapia paliativa , intentando prolongar su vida todo lo que fuese posible. El 2 de mayo del 2008, un PET scan mostró que su cáncer se había extendido a sus pulmones, algunos ganglios linfáticos en el pecho y metástasis en el peritoneo y el retroperitoneo. El 26 de junio de 2008, Pausch indicó que estaba considerando la posibilidad de detener aún más la quimioterapia, debido a los posibles efectos secundarios adversos. El día 25 de julio de 2008 falleció a causa del cáncer de páncreas.

Logros profesionales Pausch recibió su título de grado en ciencias de la computación en la Universidad Brown y su PhD en ciencias de la computación por la Universidad Carnegie Mellon. Él ha sido cofundador, junto con Don Marinelli, de CMU's Entertainment Technology Center (ETC) y comenzó el curso de Construcción de Mundos Virtuales en el CMU y lo enseño durante 10 años. Además fue nombrado National Science Foundation Presidential Young Investigator, y profesor de la Fundación Lilly. Pausch fue profesor en el departamento ciencias de la computación en la Universidad de Virginia desde 1988 hasta 1997. Trabajó para Walt Disney Imagineering y para Electronic Arts (EA). Pausch fue el autor o coautor de 5 libros y 70 artículos, y el fundador del proyecto de software Alice. Pausch recibió dos premios de la ACM en 2007 por sus logros en educación en informática. Estos eran el Karl V. Karlstrom Outstanding Educator Award y el ACM Special Interest Group on Computer Science Education Award por sus extraordinarias contribuciones a la educación de las ciencias de la computación. Él pasaría a ser miembro del ACM en 2007. El Concilio de la ciudad de Pittsburgh declaró el 19 de noviembre de 2007 "El día Dr. Randy Pausch". En mayo del 2008, Pausch fue catalogado por la revista Time como una de las 100 personas más influyentes del mundo.

Camarón de la Isla. Fotos para el recuerdo.

2008-08-01T10:20:00.000-07:00

Camarón de la Isla. Su entierro narrado por Telediarios

2008-08-01T10:19:00.000-07:00

Camarón de la Isla.Fandangos

2008-08-01T10:14:00.000-07:00

Camarón de la Isla en Paris. Testimonios de vida

2008-08-01T10:12:00.000-07:00

Camarón de la Isla.Alegrias.

2008-08-01T10:10:00.000-07:00

Muy buena

Camarón de la Isla. Bulerias

2008-08-01T10:09:00.001-07:00

Camarón de la Isla-Como el Agua

2008-08-01T10:06:00.000-07:00